양병현의 <바람소근>

​셋째 날인 4월 18일에는 김하나, 권보빈, 양병현의 작품이 공연되었다. 

김하나의 〈8, 3∞0 = 生(팔만삼천생)〉은 생의 윤회를 주제로 한 작품이다. 제목은 고려사의 유물인 팔만대장경과 불교의 삼천세계에서 따온 듯한데, 모티브가 된 단어의 개별적인 의미보다는 영겁을 거듭하며 이어지는 생의 아득한 시간을 의미하는 듯 제목에 무한(∞)의 상징을 넣어 표기하고 있다. (참고로 고대 인도에서는 헤아릴 수 없을 정도로 많은 숫자를 표현할 때 8만5000이라 하고, 인간의 번뇌가 많다는 의미에서 8만4000 번뇌로, 석가모니가 해탈하여 부처가 되는 길을 설법한 것을 8만4000 법문으로 칭한다. 그러니 작품 제목을 팔만오천이나 팔만사천이 아닌 팔만삼천으로 한 것은 또 다른 의미가 있을 것이다.)

공연이 시작되면 형체를 분간하기 어려운 하나의 생명체가 어두운 조명 아래 꿈틀거리고 있다. 어둠에 익숙해진 관객의 눈은 곧 점차 이 하나의 몸이 두 신체의 연결이라는 것을 알아차리게 된다. 척추의 파동은 점차 사지로 뻗어나가지만 몸과 몸의 연결은 꽉 맞물린 기계처럼 서로를 놓아주지 않는다. 다음 장면에서는 상하의를 서로 나눠입는 다른 두 신체가 등장한다. 처음과 마찬가지로 신체 간 연결은 지속되나 차츰차츰 서로의 분리가 허용된다. 그럼에도 문득 지나가는 기억은 육체의 제한과 생의 의지의 막강한 힘으로부터 결코 자유롭지 않음을 상기시킨다. 한국무용 기반으로 무용을 수학한 안무가의 작품이라면 으레 떠올릴 기대가 무색하게, 밀도와 난이도가 높은 두 짝의 파트너링으로 구성된 작품이다.

권보빈의 〈Wings〉는 올해 선정작 12편 가운데 유일한 발레 작품이다. 여성 무용수의 독무로 시작되는 작품은 팔과 다리를 분명히 하늘로 향하며 날고자 하는 의지를 보여주지만 무용수의 몸은 무릎이 땅에 닿아 있거나 몸통이 수평적으로 낮아져 있어 그러한 의지를 실현하지 못한다. 이 인물은 곧 어두운 반투명의 큐브에 스스로를 가둔다. 큐브의 바깥 공간에서는 두 개의 이인무가 펼쳐지면서 남녀 간 애정이, 그리고 이성관계에서 서로가 날개일 수 있음을 암시한다. 

이인무가 끝나면 큐브에 갇혀 있던 여성에게로 한 남성이 다가가 베일을 걷고 세상으로 나오기를 권유한다. 이 장면은 우리에게 매우 익숙한 남성에 의한 여성 구원 서사를 연상케 하지만 이후에 펼쳐지는 이인무는 좀 다른 형국을 창출한다. 남성의 움직임은 이중적인데, 여성의 몸을 감고 있는 검은 천을 풀어 여성을 자유롭게 해주려는 듯 보이기도, 다른 한편으로는 옭아매는 듯 보이기도 한다. 여성은 남성을 향하기보다는 그 바깥으로, 스스로 서려고 노력한다. 앞 장면에서 펼쳐진 이인무들과는 대조되는 다른 남녀관계를 제시하고 있는 것이다. 안무자는 결국 스스로의 힘으로 날개를 펼칠 때에야 과거에서 미래로 날아오를 수 있다고 말하고 있는 듯하다. 

양병현의 <바람소근>은 현대인을 위한 동화 같은 작품이다. 공연에서 관객들이 가장 먼저 만나게 되는 것은 무용수들의 움직임이 아니라 성우의 목소리다. 속삭이는 듯한 차분한 내레이션은 위안의 한숨이 바람이 되어가는 과정을 그려나간다. 두 명의 무용수가 이 목소리의 흐름에 따라 바람의 움직임을 선사한다. 이 두 바람은 때로는 결을 함께 하기도 하고 때로는 서로 다른 감정을 가지고 다른 방향으로 옮겨가기도 한다. 그러나 자연의 바람처럼 무작위로 일어나지는 않는다. 안무자는 바람을 형상화하기 위해 여러 가지 안무법을 사용하고 있는데, 바람이라는 자연물의 체현, 감성의 형상화를 시도해나가는 과정은 오히려 기존의 현대무용 움직임 어휘에서 비롯되지 않는다. 스트릿댄스의 신체 분절과 유연한 사지의 웨이브로써 나타나는 바람은 아이러니하게도 설득력을 갖추고, 관객의 마음을 간질인다.

박래영의 <방백>

​마지막 날인 4월 21일에는 박유나, 권미정, 박래영의 작품이 공연되었다.  

하늘과 땅 그리고 사람. 동양철학에서 빠질 수 없는 천지인 사상이다. 한국무용의 정신도 이 사상과 맞물려 표현되고 상징되고 있다. 박유나의 〈11⑵〉은 공연을 보기 전, 작품 제목에 먼저 눈길이 갔다. 이진법의 수. 일반적이지 않기에 한 번에 읽을 수 없는 숫자다. 허나 이것이 숫자 3을 가리키고, 이내 천지인을 표현한다는 것을 알게 되자 다소 상투적인 접근이 아닐까 하는 우려가 앞섰다. 그러나 작품을 다 보고 난 후의 생각은 ‘상투적일지라도 그것이 무의미한 것은 아니구나’로 생각이 바뀌었다.

음과 양으로 각각 상징되는 적색 끈과 청색 끈을 서로 연결한 네 명의 무용수 외에 중심을 맡아 작품을 이끌어나가는 안무자까지 총 5명이 등장한다. 5명의 무용수가 보여주는 움직임은 군더더기 없이 간결하지만 구도는 매우 변화무쌍하고 다양한 전개를 보여준다. 마치 검은 먹을 잔뜩 머금은 붓에서 떨어진 화선지에 피어나는 수많은 아지랑이를 보는 듯하다. 허리에 매단 끈은 인물들의 거리가 멀어지면 더욱 팽팽해지고 가까워지면 오히려 느슨해진다. 안무자는 이러한 음양이 가진 기의 탄성을 몸의 사용에서도 드러낸다. 무게를 낮게 두어 땅에 가까워진 상태로 팔은 마치 날아가기 시작한 화살처럼 날카롭다. 이러한 중심이 잘 잡혀 있는 개별 인물들은 때로는 홀로, 또는 둘이서, 그리고 그보다 큰 수로 모였다가 흩어지기를 반복한다. 모든 경우의 수를 검토해나가며, 이러한 분별의 논리를 천지인의 사상과 융합시켜나가고자 하는 안무자의 차후 작업도 기대해볼 만하다. 

권미정의 〈Gobi〉는 제목 그대로 고비사막을 모티브로 한 작품이다. ‘고비’는 몽골어로 ‘거친 땅’을 의미하는데, 작품은 도입부를 사막과 같은 메마른 느낌의 조명과 함께 시작한다. 무대 중앙에는 하나의 결단, 한 순간을 짚어내는 팔의 내려침을 반복하는 인간이 있다. 이후 등장하는 인물들은 이길 수 없는 타는 갈증을 신의 탓으로 돌리듯이 하늘을 향해 원망하는 듯한 신경질적인 제스처를 취한다. 제목에서 유추해 본다면, 사막과도 같은 황량한 환경에 놓인 육체들이 그들에게는 신기루와도 같을 물을 찾아 헤매는 것으로 보인다. 안무에서 척추를 둥글리는 동작이 많이 등장하는 것을 볼 수 있었는데, 이는 타오르는 듯한 사막의 아지랑이를 떠올리게 하였다. 

작품 중반부터는 이러한 신기루는 환영에서 환상으로, 그 후에는 환상에서 실제로 차원이 옮겨진다. 물소리와 함께 장면전환이 이루어지며, 이때부터 움직임은 차분해지고 유연하고 부드러워진다. 그리고 이 작품의 중요 메타포로 보이는 수레가 등장한다. 수레가 쉬지 않고 천천히 움직이는 동안 무용수들은 수레 안과 밖을 오가며 움직인다. 끊임없이 수행하는 자의 모습을 보여주는 듯하다. 이를 통해 안무자는 사막에서의 오아시스는 주어지는 것이 아니라 찾아가는 과정임을 말하고 있다.

연극에서 ‘방백’은 혼자말로 처리되는 대사로, 무대 위의 다른 사람들에게는 전달되지 않고 관객들에게만 전달된다는 약속을 가리킨다. 박래영의 <방백>에서도 무용수들의 움직임은 서로에게 전달되지 않고 단절되어 있다. 공연이 시작되면 두터운 코트를 걸친 세 명의 인물이 어깨를 맞대고 걸음을 옮겨나간다. 고장난 광대처럼 각자 풍선을 하나씩 입에 물고 있는데, 어기적어기적 걸어갈 때 이 풍선이 흔들리는 모습이 알 수 없는 우울함을 끌어내고 있다. 바닥에 전체적으로 깔린 커다란 비닐 가장자리에 도달하면 으레 프로그램이 그렇게 설정됐다는 듯 그저 각도를 틀어 다른 방향으로 나아간다. 뚜렷한 목적지가 없는 발의 옮김은 부조리하고 이 인물들이 가끔씩 내보이는 팔꿈치와 팔은 움직임의 이유를 찾을 수 없다. 무용수들은 계속해서 무릎을 약간 구부리고 몸에 진동을 주며 발걸음을 작게 내딛는데, 이 움직임은 무용수들의 불안하고 초조한 심리를 드러내고 있는 듯하다. 

인물들 사이에서 차이가 발생하는 지점은 두 명의 풍선 바람이 빠지는 와중에 한 명의 풍선은 그대로 있는 때부터다. 이 외딴 인물은 땅에 쓰러져 구르게 되는데, 그 동선에 가로막힌 나머지 인물들의 메시지는 더욱 바깥세상을 향해 나아갈 수 없다. 이러한 막힘 또는 소통 가능성의 부재는 무대 뒷벽을 부각시킴으로 극대화된다. 결국 실존의 참을 수 없는 무게는 무용수들의 발작적인 경련으로 나타난다. 비극도 희극도 아닌 이 무대에서 발견하게 되는 것은 “어디로 나아갈 것인가?”와 같은 우리 자신이 스스로에게 던지는 질문들이다.

이번 젊은안무자 창작공연은 전반적으로 창작의 경계가 더 이상 장르로 구분 지을 수 없는 지점에 이르러 있음을 확인할 수 있었다. 테크닉적인 장르의 특성 외에는 동시대적인 주제를 사용하고, 의상과 소품에서도 안무가들 스스로가 장르의 경계없이 창작안무를 시행하고 있는 것을 간접적으로 느낄 수 있었다. 

또한 한정된 예산으로 작품을 만들면서도 안무가들 간 개별적인 투자비용 차이가 확연하게 드러났는데, 이는 현장 관람과 달리 영상을 통해 관람할 경우 고민해봐야 하는 부분으로 여겨진다. 이제는 현장과 온라인이 동시에 이루어지거나 별개로 진행되는 형식이 하나의 공연 형태로 자리잡고 있으며, 공연이 경연으로 진행되는 만큼 안무가는 현장과 영상의 두 가지 표출방안을 고민해야 하는 시점이 온 것은 아닌지에 대해 생각하게 만들었다.

젊은안무자 창작공연은 제목 그대로 젊은 안무자들에게 창작의 기회를 주는 공연이다. 오디션을 통해 안무자를 선정하고, 최우수상 수상자에게는 서울무용제에 초청되어 재공연할 수 있는 기회가 주어진다. 안무자가 안무 능력을 인정받고 한 단계 도약할 수 있는 기회의 장이니만큼 신진안무가들, 무용가들의 참여에 있어 좀 더 접근성이 편리한 시도가 있었으면 하는 바람이다. 실제로 현장에서는 대학원생, 대학 졸업생들 중 안무를 하고 싶고, 공연을 하고 싶지만 교수님들의 추천이나 권유가 없으면 신청 자체에 어려움을 느낀다는 목소리가 들린다. 이러한 부분을 확대하는 방안이 마련되기를 기대해 본다.

참여자_ 박원정, 오정은, 윤단우, 이세승

대표 교정_ 윤단우

사진제공_ 한국무용협회