판댄스컴퍼니 〈꿈틀〉

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집단리뷰

Vol.116-2 (2025.4.20.)발행

                               필진 _ 고상윤, 염혜규, 오정은, 장지원, 최지은, 한성주

편집_ 댄스포스트코리아

사진제공_ 판댄스컴퍼니

제15회 판댄스컴퍼니의 정기공연인 〈꿈틀〉이 3월 29-30일 대학로예술극장 대극장에서 있었다. 공연은 서울문화재단 예술창작활동지원사업 선정 프로젝트의 일환으로 작년에 이어 보완을 거쳐 재공연 되었다. 작품은 현대인의 내면적 갈등과 고통을 누에의 생애 주기에 빗대어 표현한 무대였다. 경쟁과 욕망 속에서 자기 자신을 갇히게 만드는 현대인의 모습이 누에가 고치에 갇히고 탈피하는 과정과 절묘하게 연결되었다. 그리고 인간의 의식 체계와 심리상태는 불완전한 환경 상황으로 인해 끊임없이 변한다는 것을 인식하고 이것을 춤의 차원으로 끌고 들어와 움직임으로 표현하여 물어본다. 안무가는 이런 요소들을 의상, 음악, 무대장치를 이용해 내면과 외부, 대립과 포용, 고립과 소통, 포개질 수 없는 지각과 감각에 대해 상징적 이미지로 보여준다.

주제 면에서 판댄스컴퍼니의 〈꿈틀〉은 현대인들이 겪는 고통에서 벗어나 극복하고 희망을 갖자는 메시지를 담고자 한 작품이다. 경쟁에만 몰두한 현대인 자기중심적인 이기심으로 세상을 황폐하게 만들고, 또한 숨조차 쉴 수 없을 만큼 스스로를 무한한 고통과 고독에 가뒀기에 자신을 가둔 의식을 깨고 나와 살아있음의 징표인 꿈틀거림으로 희망을 찾고자 한다고 기획의도에서 밝히고 있다. 그 외에도 장자의 ‘무위자연설’, 인고의 시간을 견디고 나방이 되는 누에고치의 삶, 연대 의식 등을 현대인의 행복을 위한 조건으로 꿈틀과 연결시키고 있다. 

그들이 보여주고자 한 〈꿈틀〉이라는 에너지는 공연이 시작되는 순간 작은 변화를 일으킨다. 이 미미하게만 느껴지는 것, 불온한 상태에 놓여 있는 인간에게 촉매제로 다가와 매 순간 나약하기에 그 상황을 함께 하며 인생 극복기의 한 과정처럼 다른 존재들과 나누어 본다. 특히 〈꿈틀〉은 작은 꿈틀이 모여 큰 꿈에 가닿는 순간을 형상화했다는 점에서 삶을 위한 우리 모두의 꿈틀거리는 감성과 감정을 집중적으로 다뤘다. 또한 인간이 완벽함이 아니라 온전한 자기 자신을 받아들이고 이해할 때 비로소 성장할 수 있다는 철학과 맞닿아 있었다. 이런 점에서 공연이 담고 있는 고통과 갈등의 표현이 단순히 절망이 아니라 새로운 탄생과 가능성을 향한 과정임을 더욱 효과적으로 드러내었다.

공연은 총 네 개의 장으로 구성되어 누에가 나방으로 변화하는 생애 주기를 본인들의 성장 과정을 표현하는 듯 은유적으로 형상화하였다. 공연을 보면서 혹자는 미술 분야의 구스타프 클림트의 〈생명의 나무〉를 떠올렸다. 무대 위에서 표현된 누에의 움직임이 고치를 형성할 때 서로 뒤엉키고 중첩되면서 만들어내는 복잡한 구성과 긴장감 있는 연결성이 클림트의 그림 속에서 서로 얽히고 소용돌이치는 나뭇가지들의 복잡한 구조와 시각적으로 닮아 있었다. 누에들이 고치를 만들고 고통 속에서 힘겹게 빠져나오는 장면은 클림트가 표현한 생명의 복잡성과 치열한 움직임 속에서 피어나는 생명력을 연상케 했다. 

구체적으로 공연은 과하지도 부족하지도 않은 평이한 하얀 스케치북에 오선보를 그려놓고 음계 하나하나의 모습처럼 무용수들이 자리했다. 첫 등장부터 마지막 장면까지 흰색 옷을 입은 무용수의 존재는 생사, 과정, 순환의 지속성을 이어가게 하는 이미지를 연상시켰다. 또한 장마다 나타난 자주와 보라색 옷을 입은 무용수는 각 개인이 고통과 힘겨움을 몸부림으로 승화시키는 길을 표현한 것으로 보였다. 이 공연에서 주목하게 된 것은 리서치, 공연, 전시 등으로 콘텐츠가 확장되고 있다는 점이다. 작년에 이어 연속해 공연이 이뤄지면서 여기에서 오는 안정감이 있었다. 또한 현대인의 고통을 단지 절망이 아닌 새로운 탄생과 성장의 가능성으로 바라보았다는 점에서도 작품의 긍정적이고 희망적인 메시지를 엿볼 수 있다. 

어떤 감각을 표현하는지, 시/청각으로도 다양한 연출로도 보이는지 보는 재미도 있다. 영상으로도 음악으로도 그 넓은 공간을 어떻게 도작들로 시간에 따라 흘러가는지도 그렇고, 꿈틀의 세계로 딥-다이브 해서 시공간이 사라진 기묘한 느낌을 받기도 했다. 명상을 하는 기분도 들었는데, 명상도 처음에는 익숙지 않으면 지루하지만 적응이 되면 무의식으로 들어가는 걸 관찰할 수 있다고 했으니 말이다. 꿈틀, 꿈틀, 삶을 사는 우리 모두의 꿈틀거리는 인생을 위하여. 대신 그 감정과 감성을 집중력 있게 잡고 풀어나간 그런 공연이었다.

하지만 많은 것들이 열거됐음에도 불구하고 꿈틀(꿈틀거림)의 정체성도, 고통의 원인과 현대사회의 문제점이며, 그 해결책인 꿈틀의 역할 또한 이해하기 모호하다. 이런 산만하고 불분명한 기획 의도는 작품을 통해서도 그대로 확인할 수 있었다. 〈꿈틀〉은 춤 언어로서 주제를 보여주는데 성공했다고는 보기 힘든 무대였다. 각 장에 따라 선곡된 음악과 번개, 천둥소리 등의 음향효과와 영상 등은 너무 직접적인 방식으로 무대를 장악하여 주객이 전도되는 효과를 낳았다. 무용수들의 춤은 그 자체로 공연을 이끌어가기보다 장별로 달리 선곡된 음악에 맞춰지듯 진행되었다. 시종일관 팔을 뻗는 식의 동작이 주를 이뤘던 안무는 음악 분위기나 의상에 따라 그 움직임의 색깔을 달리하는 것에 가까웠다. 

내용을 식별하기 힘들었던 흑백 영상은 무대 전면을 차지한 대형 스크린으로 영사됐던 탓에 무대의 무용수들에게 시선을 집중하기 힘들게 했다. 공연 중간 무용수의 독백 또한 유의미한 역할을 했다고 보기 힘들었다. 공연 말미에 이르러 무용수들의 삼각구도 대형으로 전진하며 손을 위로 뻗는 군무는 공연의 하이라이트였다. 세상을 바꾸고, 꿈틀거릴 수 있는 '하나'라는 의식을 보여주고자 한 안무가의 의도를 읽을 수 있었지만 일률적인 움직임은 조정이 필요했다. 

그리고 〈꿈틀〉은 무용 작품의 표현에 있어 몇몇 움직임들이 단조롭게 단순화된 경향이 있었다. 움직임이 지나치게 반복되고 형식적이어서 인물의 내면 깊은 감정보다는 표면적이고 추상적인 상징에 머무는 느낌을 주었다. 작품이 지향하는 철학적 깊이를 완벽히 전달하기에 조금 아쉬운 부분이었다. 따라서 무대에서 철학적 깊이를 보다 더 구체화한다면 관객에게 더 큰 울림과 감동을 만들어낼 것이다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Collective Review

Vol.116-2 (2025.4.20.) Issue

Written by Go Sang-yoon, Yum Hye-gyu, Oh Jeong-eun, Jang Ji-won, Choi Ji-eun, Han Sungjoo

Edited by Dance Post. Korea

Photos provided by Pan Dance Company

Pan Dance Company 〈Kkumteul〉

The 15th Pan Dance Company regular performance, 〈Kkumteul〉, was held at the Daehangno Arts Theater Grand Theater on March 29-30. The performance was re-performed after last year with improvements as part of the Seoul Cultural Foundation’s Art Creation Activity Support Project. The piece was a stage that expressed the internal conflicts and pains of modern people by comparing them to the life cycle of a silkworm. The appearance of modern people who imprison themselves in competition and desire was exquisitely connected to the process of a silkworm being trapped in a cocoon and shedding itself. In addition, it recognizes that the human consciousness system and psychological state constantly change due to imperfect environmental situations, and brings this into the dimension of dance and expresses it through movement to ask questions. The choreographer uses costumes, music, and stage sets to show these elements as symbolic images of the inside and the outside, opposition and inclusion, isolation and communication, and perception and sense that cannot be covered.

In terms of theme, Pan Dance Company's 〈Kkumteul〉 is a work that conveys a message to overcome and have hope by escaping from the suffering experienced by modern people. The intention of the project is to break free from the consciousness that confines them and find hope through the wriggling, a sign of being alive, because modern people, obsessed with competition, have devastated the world with their self-centered selfishness and have imprisoned themselves in infinite pain and loneliness to the point that they cannot even breathe. In addition, they connect Zhuangzi's "Theory of Inaction and Nature," the life of a silkworm cocoon that endures a time of suffering and becomes a moth, and solidarity to the "Dream" as conditions for the happiness of modern people.

The energy of 〈Kkumteul〉 that they wanted to show causes small changes the moment the performance begins. This insignificant thing, which is felt as a catalyst to humans in a state of unrest, approaches them as a catalyst and shares their situation with others as a process of overcoming life, sharing it with them at every moment because they are weak. In particular, 〈Kkumteul〉 focused on the emotions and feelings that we all have for life, in that it visualized the moment when small dreams come together to reach a big dream. It also connected with the philosophy that humans can only grow when they accept and understand their complete selves, not perfection. In this respect, the expression of pain and conflict contained in the performance more effectively revealed that it was not simply despair, but a process toward new birth and possibility.

The performance consisted of a total of four chapters, metaphorically visualizing the life cycle of a silkworm changing into a moth, as if expressing their own growth process. While watching the performance, some were reminded of Gustav Klimt’s 〈Tree of Life〉 in the field of art. The complex composition and tense connection created by the silkworms’ movements expressed on stage intertwining and overlapping each other as they formed the cocoon visually resembled the complex structure of the branches intertwined and swirling in Klimt’s paintings. The scene where the silkworms make the cocoon and struggle to escape from it reminded me of the complexity of life expressed by Klimt and the vitality that blooms in intense movement.

Specifically, the performance was performed on a plain white sketchbook with a staff drawn on it, neither excessive nor insufficient, and the dancers were positioned like each note. From the first appearance to the last scene, the presence of the dancers dressed in white brought to mind the image of continuing the continuity of life and death, process, and circulation. In addition, the dancers dressed in purple and purple in each scene seemed to express the path that each individual sublimates their pain and hardship into struggle. What caught my attention in this performance was that the content was expanding to research, performance, and exhibition. There was a sense of stability that came from this as the performances continued from last year. Also, the positive and hopeful message of the work can be seen in the fact that the suffering of modern people is viewed not as mere despair but as the possibility of new birth and growth.

It is also fun to see what kind of feelings are expressed and how they are presented in various ways, both visually and aurally. Whether through video or music, how the vast space flows with time through the works, and the strange feeling of deep diving into the world of wiggles and disappearing time and space. It also felt like meditating, and meditation is said to be boring at first if you are not used to it, but once you get used to it, you can observe it entering the unconscious. Wiggle, wiggle, for the wiggling life of all of us who live life. Instead, it was a performance that focused on and released those emotions and feelings.

However, despite the many things listed, the identity of wiggle (wiggle), the cause of suffering and the problems of modern society, and the role of wiggle as a solution are also ambiguous. This scattered and unclear planning intention could be confirmed through the work as well. 〈Kkumteul〉 was a stage that was difficult to see as successfully showing the theme through the language of dance. The music selected for each chapter, sound effects such as lightning and thunder, and the images dominated the stage in such a direct way that it had the effect of reversing the roles of the subject and the object. The dancers’ dances did not lead the performance in and of themselves, but rather progressed as if they were in sync with the music selected for each chapter. The choreography, which was mainly comprised of arms-stretching movements throughout, was closer to changing the color of the movements according to the mood of the music or costumes.

The black-and-white images, which made it difficult to discern the content, were projected on a large screen that took up the entire stage, making it difficult to focus attention on the dancers on stage. The dancers’ monologues during the performance also did not seem to play a significant role. The highlight of the performance was the group dance where the dancers’ triangle formation advanced forward and raised their hands upwards at the end of the performance. The choreographer’s intention to change the world and show the consciousness of ‘one’ that can move was readable, but the uniform movements needed to be adjusted.

And in the expression of the dance piece, 〈Kkumteul〉 tended to have some movements that were monotonously simplified. The movements were overly repetitive and formal, giving the impression that they were superficial and abstract symbols rather than the characters’ deep emotions. It was a bit disappointing that the piece did not fully convey the philosophical depth it was aiming for. Therefore, if the philosophical depth were more concretely expressed on stage, it would create a greater resonance and emotion for the audience.