더 끈끈하게 더 묵직하게, All That Body Concert: 앰비규어스댄스컴퍼니 〈바디콘서트〉

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공연비평

Vol.115-1 (2025.3.5.) 발행

글_ 윤단우(공연칼럼니스트)

사진제공_ 앰비규어스댄스컴퍼니

앰비규어스댄스컴퍼니의 〈바디콘서트〉가 올해로 제작 15주년을 맞이했다. 대학에 적을 둔 교수 안무가들이 재학생과 졸업생으로 무용수를 안정적으로 충원하며 오랜 세월 작품을 다듬어 레퍼토리화하는 사례는 드물지 않게 볼 수 있지만 민간에서 활동하는 현대무용단체가 이처럼 한 작품을 긴 시간 동안 공연하며 단체를 대표하는 레퍼토리로 안착시키는 경우는 드물다 못해 유일하다고 해도 과언이 아니다.

좋은 작품이 없기 때문은 아니다. ‘민간’에서 ‘현대무용’으로 단체활동을 이어갈 때의 어려움이야 물론 한두 가지가 아니지만 레퍼토리화라는 관점에서 본다면 넘기 어려운 두 개의 높은 벽이 존재한다. 민간단체로서의 자생이 어려워 지원제도에 의존하는 특성상 신작 생산에 대한 압력이 강한 데다 새로운 시도 자체가 작품의 일부로 편입되기 일쑤인 컨템퍼러리 창작에서 기존 작품이 금세 낡은 것이 되어 작품의 생명력을 길게 이어가기 어렵다는 점이다. 이 같은 환경에서 관객들의 지지를 받으며 오랫동안 꾸준히 공연할 수 있는 작품을 레퍼토리로 확보하는 일의 어려움 역시 말로 다 설명할 수 없다.

〈바디콘서트〉는 2010년 평론가가 뽑은 젊은 안무가 초청공연으로 초연을 올린 뒤 올해까지 전국 40개 이상 도시, 60개 이상 공연장에서 100회 이상 공연했고, 해외에서도 8개국 15개 이상 도시에서 공연하며 단체의 대표작으로 자리매김했다. 15년 동안 2011년과 2013년을 제외하고 매해 공연해 왔으니 이 또한 기념비적인 기록이라 하겠다. 안무가의 고유한 스타일, 무용수들의 뛰어난 기량과 팀워크, 작품의 견고한 완성도, 대중을 향한 폭 넓은 소구력까지 작품을 구성하는 내적 외적 요소들이 모두 톱니바퀴처럼 잘 맞물려 이루어낸 결과물이다.

15주년을 맞이한 올해는 2월 26일부터 3월 9일까지 예술의전당 토월극장에서 15회 공연이라는 또 다른 도전으로 관객들과 만난다. 공연 회차가 많은 만큼 참여 무용수 또한 그동안의 공연 중 최다 인원으로 꾸려졌다. 초연부터 작품을 지켜 온 단체의 대표와 예술감독인 장경민과 김보람을 비롯해 안겸, 박진호, 이학, 박선화, 서보권, 신재희, 이승아, 조연희, 임소정, 김덕용, 한규은, 박용휘, 이신우, 김지혜의 열여섯 명이 참여하고 다회 공연을 효율적으로 진행하기 위해 A, B, C의 세 팀으로 나누는 한편 여성팀과 남성팀을 따로 운영하며 각각의 개성을 살렸다. 그야말로 〈바디콘서트〉라는 작품에 대해 어디까지 보여줄 수 있는지 실험하는 듯한, 부제를 ‘All That Body Concert’라고 붙여도 무리가 없을 듯한 무대다.

초연 버전은 남성 무용수 4인과 여성 무용수 2인의 6인 구성으로 40여 분의 러닝타임으로 올려졌다가 이후 7인 구성의 70분 공연이 최종 버전으로 자리잡았다. 이후 공연을 거듭하는 동안 공연장 환경에 맞춰 출연진 규모와 러닝타임을 유연하게 조절하며 다양한 버전으로 올려져 왔다. 이번 15주년 공연에서는 팀별로 7인 70분 버전을 선보이되, 여성팀이 출연하는 2회차 공연에서는 8인 구성으로 일부 변형된 버전이 올려졌다.

컨템퍼러리 무용 창작에서 무용수가 가진 고유한 움직임이나 감각은 작품의 성격을 좌우할 정도로 커다란 비중을 차지한다. 현대의 작업에서 안무가의 고유성 못지않게 무용수의 고유성은 작품을 완성하는 절대적인 틀로 작동하며 안무가와 무용수라는 관계의 구도를 재편하는 데까지 나아가고 있는 것이다.

그러나 〈바디콘서트〉는 김보람이 만든 움직임 틀에 무용수의 신체를 끼워 넣어 완성하는 반대의 방향으로 안무되었는데, 이것이 역설적이게도 작품의 15년 역사를 지탱하는 중심축이 되고 있다. 컨템퍼러리 작품으로는 매우 특이하게도 무용수가 바뀌었다고 해서 작품의 인상이나 색채가 별반 달라지지 않는 매우 견고한 구조성을 가진 작품으로, 무용수는 자유를 앗아가는 대신 체력을 요구하는 작품의 구조에 자신의 몸을 끼워 맞춰야 한다. 춤이 아니라 음악을 ‘보여주기’ 위해 만든 이 작품에서 김보람은 안무가인 동시에 음표 하나하나를 조율하는 까다로운 지휘자다. 무용수들은 정박과 엇박이 뒤섞여 있고 잘게 쪼개진 박자 안에 디테일한 움직임이 꽉꽉 채워져 있는 안무를 ‘수행’할 뿐 ‘해석’하진 않는다.

무용수의 안무에 대한 ‘해석’보다 ‘수행’에 방점이 찍혀 있는 이 작품은 관객들 역시 그 견고한 구조 안으로 끌어들인다. 무용수의 ‘해석’과 차단되어 메시지를 읽을 수 없는 관객들은 그들의 신체성을 정면으로 마주하며 그들이 보여주는 음악을 ‘시청’해야 한다. 

김보람의 작품에서 수경이나 선글라스로 무용수의 눈을 가리는 것은 결과적으로 관객들의 시선을 신체 움직임에 붙들어 매어놓는 역할을 하는데, 이는 관객들 시청각의 예민도를 한껏 끌어올려 모든 감각이 움직임과 음악의 어울림에만 집중되도록 만든다. 현대무용과 스트릿댄스, 발레와 한국무용, 애드리브처럼 보이는 막춤까지 온갖 장르의 춤이 이렇다 할 내러티브나 기승전결 없이 어우러지며 그야말로 신체의 움직임만으로 음악을 듣는 경지에 이르는 것이다.

15년이란 시간이 흐르는 동안 작품의 기본적인 구조는 바뀌지 않았지만 이음새가 끈끈해지고 밀도가 올라가면서 작품은 더욱 묵직해졌다. 무용수에게 숨 쉴 여유조차 주지 않고 촘촘하게 짜여 있는 안무에서 무용수들의 애드리브는 공연의 표정을 바꾸고 ‘신스틸러’ 역할을 나눠 갖는 막간극이 되며, 관객들에게도 현란한 움직임의 향연 속에서 잠시 긴장을 풀 수 있는 휴지부가 된다.

또한 이번 공연에서 여성팀과 남성팀을 나누어 따로 운영한 시도는 착장을 통일하고 성별 구분 없이 움직이는 김보람 스타일에 새로운 가능성을 입혀주었다. 〈바디콘서트〉는 초연부터 줄곧 혼성팀으로 운영되어 왔으나 이때의 성별 구분 없는 무대는 여성 무용수들이 소위 ‘여성적인’ 움직임을 탈피해 남성 무용수의 움직임 안에 편입된다는 성격이 강했다. 작품을 경험한 여성 무용수들이 입을 모아 움직임의 질감이나 근육의 쓰임 같은 것이 기존에 해오던 것과 달라 적응에 시간이 걸렸다고 말하는 게 그 한 단면이다.

이 같은 김보람 스타일이 전원 여성으로 구성된 무대 위에서 ‘(여성이 기존에 해보지 않았던) 남성 움직임이라는 원본’ 없이도 본래의 활기와 에너지를 잃지 않는다는 것은 또 다른 중요한 의미를 갖는다. 앞서 서술한 것처럼 ‘무용수가 바뀌었다고 해서 작품의 인상이나 색채가 달라지지 않는 견고한 구조성’을 여성 무용수들의 몸을 통해 확인한다는 의미 외에도 여성 무용수들로만 채워진 무대를 통해 ‘여성적인 움직임’에 대한 편견을 내려놓고 움직임의 가능성에 대한 인식을 확장하게 되는 것이다.

15주년을 맞은 〈바디콘서트〉는 현시점 작품에 대해 보여줄 수 있는 모든 것을 보여주었다. 새로운 출발선에 선 이 작품은 어디까지 뻗어나가게 될지, 작품이 20년이 되고 30년이 되었을 때는 또 무엇을 볼 수 있을지, 세월의 나이테가 켜켜이 쌓이는 동안 이 세밀하고도 견고한 구조를 지탱해갈 몸들은 또 어떻게 변화해 갈지, 여러 가지 기대와 질문이 교차하는 무대였다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Review

Vol.115-1 (2025.3.5.) Issue

Written by Yoon Danwoo (Columnist of Performing Arts)

Photos provided by Ambiguous Dance Company

More tightly and more solidly, All That Body Concert: Ambiguous Dance Company's 〈Body Concert〉

Ambiguous Dance Company's 〈Body Concert〉 celebrates its 15th anniversary this year. It is not uncommon for professor choreographers who have worked at universities to steadily fill their ranks with current and former dancers and polish their works over a long period of time to turn them into repertoire, but it is no exaggeration to say that it is rare, if not unique, for a private contemporary dance company to perform a single work for a long period of time and establish it as a representative repertoire for the group.

It is not because there are no good works. There are certainly more than one or two difficulties in continuing group activities from ‘private’ to ‘modern dance’, but from the perspective of repertoire formation, there are two high walls that are difficult to overcome. As a private group, it is difficult to survive on its own and has to rely on support systems, so there is strong pressure to produce new works. In addition, in contemporary creation, where new attempts themselves are often incorporated into the work, existing works quickly become outdated, making it difficult to continue the work’s vitality for a long time. In such an environment, the difficulty of securing a work that can be performed consistently for a long time while receiving support from the audience is also difficult to explain in words.

Since its premiere in 2010 as an invitation performance by young choreographers selected by critics, 〈Body Concert〉 has been performed more than 100 times in more than 40 cities and 60 performance halls nationwide and has also been performed in more than 15 cities in 8 countries overseas, establishing itself as the group’s representative work. It has been performed every year for 15 years except in 2011 and 2013, so this is also a monumental record. The choreographer's unique style, the dancers' outstanding skills and teamwork, the solid completion of the work, and the wide appeal to the public, all internal and external elements that make up the work mesh together like cogs.

This year, celebrating its 15th anniversary, it will meet the audience with another challenge of 15 performances at the Towol Theater of the Seoul Arts Center from February 26 to March 9. As there are many performances, the number of participating dancers is also the largest among all performances. Sixteen people, including Jang Kyung-min and Kim Bo-ram, the group’s representative and artistic director who have been watching over the work since its premiere, as well as Ahn Kyeom, Park Jin-ho, Lee Hak, Park Seon-hwa, Seo Bo-kwon, Shin Jae-hee, Lee Seung-ah, Jo Yeon-hee, Im So-jeong, Kim Deok-yong, Han Gyu-eun, Park Yong-hui, Lee Shin-woo, and Kim Ji-hye, participated in the performance. In order to efficiently conduct multiple performances, the performance was divided into three teams: A, B, and C, while the women’s team and the men’s team were operated separately to bring out each individual’s individuality. It was a stage that seemed to be experimenting with how far they could show the work called 〈Body Concert〉 and it would not be an exaggeration to call it “All That Body Concert.”

The premiere version was performed with a 40-minute running time, consisting of six dancers: four male dancers and two female dancers. Later, the 70-minute performance with seven dancers became the final version. Since then, the number of performers and the running time have been flexibly adjusted to suit the performance venue environment, and various versions have been performed. In this 15th anniversary performance, each team will present a 70-minute version with 7 members, but in the second performance with the female team, a slightly modified version with 8 members will be presented.

In contemporary dance creation, the unique movements and sensibilities of dancers play a significant role to the extent that they can determine the nature of the work. In contemporary works, the uniqueness of dancers, no less than that of choreographers, functions as an absolute framework for completing the work, and it is even going so far as to reorganize the structure of the relationship between choreographers and dancers.

However, 〈Body Concert〉 was choreographed in the opposite direction, by fitting the dancers’ bodies into the movement framework created by Kim Bo-ram, and this paradoxically has become the central axis that supports the work’s 15-year history. It is a very unique contemporary work in that the impression or color of the work does not change much even if the dancers change, and the dancers must fit their bodies into the structure of the work that requires physical strength instead of taking away their freedom. In this work, which was created to ‘show’ music rather than dance, Kim Bo-ram is both a choreographer and a fastidious conductor who orchestrates each note. The dancers do not ‘interpret’ the choreography, which is filled with detailed movements in finely divided beats and mixed beats.

This work, which emphasizes ‘performance’ rather than ‘interpretation’ of the choreography by the dancers, also draws the audience into its solid structure. The audience, who are blocked from the dancers’ ‘interpretation’ and cannot read the message, must face their physicality head-on and ‘watch’ the music they show.

In Kim Bo-ram’s work, covering the dancers’ eyes with goggles or sunglasses ultimately serves to capture the audience’s gaze and tie it to their physical movements, which heightens the audience’s visual and auditory sensitivity to the max, making all senses focus solely on the harmony of movement and music. All kinds of dance genres, including modern dance, street dance, ballet, Korean dance, and even ad-lib-like dance, are combined without any particular narrative or development, reaching a state where you can listen to music just with the movement of your body.

The basic structure of the work has not changed over the past 15 years, but the work has become more substantial as the seams become tighter and the density increases. In the choreography that is tightly woven without giving the dancers even a moment to breathe, the dancers’ ad-libs change the expression of the performance and become an interlude that shares the role of a ‘scene stealer,’ and also provides a pause for the audience to relax for a moment amidst the dazzling feast of movements.

In addition, the attempt to separate the women’s and men’s teams in this performance gave new possibilities to Kim Bo-ram’s style, which unifies clothing and moves without distinction of gender. 〈Body Concert〉 has been operated as a mixed team since its premiere, but the gender-free stage at that time had a strong characteristic of female dancers shedding the so-called ‘feminine’ movements and being incorporated into the movements of male dancers. One aspect of this is that female dancers who experienced the work unanimously said that the texture of the movements and the use of muscles were different from what they had done before, and it took time to adapt.

The fact that Kim Bo-ram’s style does not lose its original vitality and energy even without the ‘original male movements (that women have not tried before)’ on a stage composed entirely of women has another important meaning. In addition to confirming the ‘solid structure that does not change the impression or color of the work even if the dancers change’ through the bodies of female dancers as described above, it also allows us to let go of our prejudices about ‘feminine movements’ and expand our awareness of the possibilities of movement through a stage filled only with female dancers.

〈Body Concert〉, which celebrated its 15th anniversary, showed everything that can be shown about the work at this point in time. This work, which has reached a new starting line, was a stage where various expectations and questions intersected: how far would it extend? What would we be able to see when the work was 20 or 30 years old? How would the bodies that support this detailed and solid structure change as the years pile up?