동질성의 회복을 노래하는 몽유(夢遊)의 무대: 99아트컴퍼니 〈피안의 여행자들〉

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공연비평

Vol.115-2 (2025.3.20.) 발행

글_ 송준호(춤평론가)

사진제공_ 한국문화예술위원회

공연예술 창작산실의 올해의 신작으로 선보인 〈피안의 여행자들〉은 99아트컴퍼니를 이끄는 장혜림이 서아프리카 부르키나파소 출신의 전통예술가들과 협업한 작품이다. 아프리카 전통 음악의 애수 어린 감성을 기반으로 한국춤의 움직임이 어우러지는 형태는 일견 이질적이지만 금세 공통의 정서를 끌어낸다. 그것은 다양성이 상실된 사회에서 자의든 타의든 이방인이 돼버린 존재들이 겪는 애환에 관한 것이다. 획일화된 사회가 가하는 억압과 소외 속에서 이들은 기묘한 동행을 시작하고, 그로부터 ‘피안’이라는 관점과 ‘여행’이라는 태도를 통해 현실을 극복하는 동력을 제시한다.

이질적인 존재들이 교류를 통해 동질성을 확인하며 개별적인 ‘나’에서 ‘우리’라는 새로운 정체성을 얻는다는 것이 작품의 큰 줄기다. 그 ‘우리’에는 당연히 관객도 포함되는 것이어서, 장혜림은 자신들의 퍼포먼스에 그들이 동참하기를 바란다. 이를 위해 객석을 무대 위로 올려 관객이 퍼포머들을 둘러싸는 형태로 공연 환경을 설정했다. 이 원형 객석의 중앙에는 위에서 길게 늘어뜨린 천을 불규칙한 길이로 여기저기 배치해 관객의 시야를 절묘하게 방해한다. 천 사이로 간헐적으로 보이는 퍼포머를 포착하려면 몸을 이리저리 움직여야 하는 불편함이 발생한다. 이는 타자를 이해하려면 꾸준한 응시와 섬세한 주의가 요구됨을 의도한 연출이다.

물론 이런 연출 의도를 직접 소화하는 주역은 무대 위에 공존하는 부르키나파소인들과 한국인 퍼포머들이다. 아프리카 음악 특유의 토속성은 처음엔 이질적이지만 그 리듬에 동화된 춤꾼들의 원무(圓舞)나 개별적인 움직임을 통해 차츰 익숙해진다. 뿌리가 다른 존재들이 서로에게 접속할 때 음악은 효과적인 매체가 된다. 이 작품에서 음악의 울림이 차지하는 비중은 절대적이다. 목가적이며 현세적인 음악과 시인의 음색은 온화하면서도 서글프다. 이런 정서는 ‘정직한 사람들의 나라’라는 뜻의 부르키나파소가 거쳤던 식민지 역사와 맞물려 자연스레 장혜림이 추구하는 ‘영혼의 울림’을 증폭시킨다. 

그럼에도 작품 테마의 ‘이방인’이라는 요소는 자칫 부르키나파소인들을 타자화할 수 있는 위험성도 갖고 있는데, 일곱 명의 한국 춤꾼들이 제각각의 출신을 대사로 고백하는 장면으로 이를 어느 정도 해소한다. 그로써 이 작품은 관계와 장소에 따라 우리 모두가 이방인이 될 수 있다는 사실을 확인하고, 그런 시대에서 우리가 추구해야 할 태도와 영역을 구체화한다. 그것은 ‘인간’이라는 종(種) 아래 모든 경계를 허물자는 제안이다. 독무와 이인무를 거쳐 군무로 연결되는 일련의 구성은 모두 이러한 경계의 해체 과정을 묘사한다. 서로의 시야를 가렸던 천들이 모두 제거된 후 인종과 계급, 국적을 초월한 ‘우리’들이 음악과 춤으로 명료하게 어울리는 장면은 현실 사회가 지향해야 할 이상 세계의 모습을 그린다.

이런 대안 공간의 아이디어는 ‘피안’이라는 키워드에 고스란히 담겨 있다. 현세의 고통과 번뇌가 없는 이상 세계를 가리키는 피안(彼岸)은 한국춤을 비롯한 창작물에서 자주 등장하는 개념이다. ‘저 너머의 세계’란, 대개 현실에서는 절대 해소될 수 없는 절망적인 상황을 내세(來世)라는 종교의 영역으로 치환한 은유이기 때문이다. 그래서 ‘피안’은 그 매력적인 뉘앙스와 달리 가능성이 닫힌 현실의 한계를 역설적으로 보여준다. 장혜림은 〈피안의 여행자들〉에서 이런 피안의 개념을 빌리면서도 그 의미는 반대로 변용하고 있다. 즉 절망적인 현세를 반증하는 개념을 ‘열린 정체성의 공간’으로 재정의하며, 차안(此岸)과 피안의 이항대립에서 빚어지는 현실의 번뇌와 고통을 극복하려 하는 것이다. 이는 모든 것을 ‘너와 나’로 구분하는 ‘닫힌 정체성’의 고정관념을 타파하고 ‘우리’라는 관점으로 확장하면 갈등과 반목도 해소되지 않겠냐는 이상주의적 해법이 담긴 시선이다. 

이런 재정의가 한낱 몽상에 그치지 않으려면 현실을 수용하고 극복하려는 실천적 태도가 필요하다. 장혜림은 그 태도를 ‘여행’에서 찾고 있다. 재정의된 ‘피안’ 역시 이방인들이 정주할 수 없는 공간인 것은 마찬가지이기에 결국 ‘여행’이라는 유목(遊牧)적인 태도로 보완하는 것이다. 여행은 언젠가 도달하는 무언가가 아니라 계속 이어지는 태도에 가깝다. 작품의 분위기를 지배하는 여유로운 음악과 그 주변을 맴도는 움직임들은 시종일관 몽환적인 톤으로 여행의 정서를 그려낸다. 처음엔 개별적 존재였던 춤꾼들은 그 여정을 거치는 동안 새로운 무리를 이루고 땅을 구르는 동작을 통해 이상적인 공동체를 확립하려는 의지를 보여준다. 이처럼 참여적인 메시지를 감성적인 음악과 춤으로 풀어낸 연출에서는 ‘인간과 사회’라는 이슈에 지속적인 관심을 보여온 장혜림의 시선이 또 한 번 발견된다.

다만 만남과 이별, 익숙함과 낯섦 등 경계 위에 걸쳐 진행된 이들의 여정에는 끝내 물음표가 붙는다. 작품 속 ‘여행자들’이 경도돼 있는 ‘피안’이 내내 정립되지 않기 때문이다. 작품 전반을 지배하는 이 모호한 정서는 매력인 동시에 한계가 되기도 한다. 이런 양날의 검은 그 추상적 관념에 종속돼 있는 몽유(夢遊)의 콘셉트까지도 영향을 미친다. 열린 가능성 또는 새로운 정체성이란 무엇인가. 이들이 추구하는 피안이란 도대체 무엇인가. 음유시인과 퍼포머들의 노래의 울림이 커질수록 이런 의문은 점점 더 커져간다. 축제를 방불케 하는 피날레의 군무 장면은 마침내 무언가를 이룬 듯한 분위기를 연출하지만, 카타르시스 대신 공허한 희열이 남는 건 이런 의문이 결국 해소되지 않았기 때문이다. 추상적인 낙관을 여정의 당위나 동력으로 삼으려면 이를 구체적으로 보완할 수 있는 장치가 필요하다. 정처(定處) 없이 이어지는 여정을, 우리는 여행이 아니라 방랑이라 부른다.

그럼에도 〈피안의 여행자들〉은 장혜림의 관심 영역과 그간의 창작 노하우가 노련하게 녹아 있는 작품이라는 점에서 눈여겨볼 만하다. 그의 시선은 항상 영혼의 구원에 가 있다. 〈심연〉, 〈침묵〉, 〈제(祭)〉 연작에서 억압과 상처를 해원하는 양식을 동원했듯 이번 작품에서도 주된 정서는 영혼의 치유에 있다. 정확히 말하면 배척과 차별로 점철된 세상에서 우리가 회복해야 하는 것은 인간성, 즉 성별이나 인종, 계급 등의 기준으로 소외되지 않는 인류애라는 것이다. 삶과 죽음 등의 관념적인 테마에 매몰되지 않고 이를 매번 ‘인간과 사회’라는 현실의 문제로 끌어오는 시도는 높이 평가할 만하다. 현실의 고된 삶, 소외된 이들을 바라보는 데서 시작하는 시선에선 여전히 인간적인 온기가 느껴진다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Review

Vol.115-2 (2025.3.20.) Issue

Written by Song Jun-ho (dance critic)

Photo provided by the Arts Council Korea

A stage of dreamwalking that sings of the recovery of homogeneity: 99 Art Company's 〈Travelers of the Peace〉

〈Travelers of the Peace〉, presented as this year's new work of the performing arts creative center, is a work in which Jang Hye-rim, who leads 99 Art Company, collaborated with traditional artists from Burkina Faso, West Africa. The form that combines the sorrowful emotions of African traditional music with the movements of Korean dance seems heterogeneous at first glance, but it quickly draws out common emotions. It is about the joys and sorrows of those who have become strangers, whether by choice or by force, in a society where diversity has been lost. Amid the oppression and alienation imposed by a uniform society, they begin a strange journey together, and from there, they present the driving force to overcome reality through the perspective of 'peace' and the attitude of 'travel'.

The main theme of the work is that heterogeneous beings confirm their homogeneity through interaction and gain a new identity as ‘we’ from their individual ‘me’. Naturally, the audience is included in that ‘we’, so Jang Hye-rim wants them to participate in her performance. To this end, she raised the audience seats on the stage and set up the performance environment in the form of the audience surrounding the performers. In the center of this circular audience, long, hanging cloths are placed here and there in irregular lengths to exquisitely obstruct the audience’s view. In order to catch the performers who are intermittently visible through the cloths, the audience has to move their bodies here and there, which creates inconvenience. This is a production intended to require steady gaze and delicate attention to understand the other.

Of course, the main characters who directly embody this production intention are the Burkina Faso and Korean performers who coexist on stage. The unique locality of African music is foreign at first, but it gradually becomes familiar through the circle dance and individual movements of the dancers who are assimilated into the rhythm. When beings with different roots connect with each other, music becomes an effective medium. The importance of the resonance of music in this work is absolute. The pastoral and worldly music and the poet’s tone are gentle yet sad. This sentiment, intertwined with the colonial history of Burkina Faso, which means “country of honest people,” naturally amplifies the “resonance of the soul” that Jang Hye-rim pursues.

Nevertheless, the theme of the work, “foreigner,” carries the risk of stereotyping Burkina Faso people, but this is somewhat resolved by the scene where seven Korean dancers confess their respective origins through dialogue. In doing so, this work confirms the fact that we can all become strangers depending on our relationships and locations, and concretizes the attitude and realm we should pursue in such an era. It is a proposal to break down all boundaries under the species called “human.” The series of compositions that connect solo and two-person dances to group dances all depict the process of dismantling these boundaries. After all the curtains that had obscured each other’s vision were removed, the scene where ‘we’, transcending race, class, and nationality, clearly come together through music and dance depicts the ideal world that real society should pursue.

The idea of ​​such an alternative space is fully contained in the keyword ‘Pian.’ Pian (彼岸), which refers to an ideal world without the pain and suffering of this world, is a concept that frequently appears in creative works including Korean dance. This is because ‘the world beyond’ is usually a metaphor that substitutes a desperate situation that can never be resolved in reality with the realm of the afterlife, a religious realm. Therefore, ‘Pian’ paradoxically shows the limitations of reality where possibilities are closed, despite its attractive nuance. In <Travelers of Pian>, Jang Hye-rim borrows this concept of Pian, but transforms its meaning in the opposite way. In other words, it redefines the concept of contradicting the hopeless present world as a ‘space of open identity’ and attempts to overcome the suffering and pain of reality that arises from the binary opposition between this shore and the other shore. This is an idealistic view that breaks down the fixed idea of ​​‘closed identity’ that divides everything into ‘you and me’ and expands it to the perspective of ‘we’, and conflict and discord will also be resolved.

In order for this redefinition not to end up as a mere dream, a practical attitude of accepting and overcoming reality is necessary. Jang Hye-rim finds that attitude in ‘travel’. Since the redefined ‘the other shore’ is also a space where foreigners cannot settle down, it is ultimately supplemented with the nomadic attitude of ‘travel’. Travel is not something that is reached someday, but rather an attitude that continues. The leisurely music that dominates the atmosphere of the work and the movements that linger around it consistently portray the emotion of travel in a dreamy tone. The dancers, who were initially individual beings, form a new group during their journey and demonstrate their will to establish an ideal community through their ground-rolling movements. In this production that expresses a participatory message with emotional music and dance, we once again discover the perspective of Jang Hye-rim, who has shown continuous interest in the issue of ‘humans and society.’ 

However, the journey of these people, which proceeds across boundaries such as encounters and partings, familiarity and unfamiliarity, is ultimately fraught with question marks. This is because the ‘peace’ that the ‘travelers’ in the work are obsessed with is not established throughout. This ambiguous emotion that dominates the entire work is both attractive and limiting. This double-edged sword even affects the concept of somnambulism, which is subordinate to that abstract idea. What is an open possibility or a new identity? What exactly is the peace that they pursue? As the resonance of the songs of the bards and performers grows, these questions grow louder. The finale's corps de ballet scene, reminiscent of a festival, finally creates an atmosphere as if something has been accomplished, but instead of catharsis, empty joy remains because these questions were not resolved. In order to use abstract optimism as the justification or driving force of a journey, a device that can supplement it concretely is needed. We call a journey that continues without a fixed destination a wandering, not a trip. 

Nevertheless, 〈Travelers of Peace〉 is worth noting as a work that skillfully incorporates Jang Hye-rim's areas of interest and her creative know-how. Her gaze is always on the salvation of the soul. Just as she used the form of resolving oppression and wounds in the 〈Abyss〉, 〈Silence〉, and 〈Sacrifice〉 series, the main emotion in this work is also on the healing of the soul. To be precise, in a world filled with exclusion and discrimination, what we need to recover is humanity, that is, humanity that is not alienated by criteria such as gender, race, or class. It is commendable that the film does not get bogged down in abstract themes such as life and death, but instead tries to bring it up to the real-world issue of ‘humans and society.’ The perspective that begins with looking at the harsh realities of life and the marginalized still feels humane.