지금까지 춤에 대해 알고 있던 모든 걸 잊어라: 서울시발레단 〈데카당스〉

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공연비평

Vol.115-2 (2025.3.20.) 발행

글_ 윤단우(공연칼럼니스트)

사진제공_ 세종문화회관

서울시발레단이 오하드 나하린의 〈데카당스〉(3.14-3.23, 세종문화회관 M씨어터)로 시즌을 시작했다. 올해는 오하드 나하린 외에도 지난해 국내 초연작을 선보인 한스 반 마넨을 비롯해 요한 잉에르 등 해외 안무가와 사전 공연에 참여했던 유회웅, 재독 안무가 허용순 등의 공연이 준비되어 있다. 2년 차를 맞이한 신생 단체로는 믿기지 않을 만큼 단단하고 알찬 라인업이다.

오하드 나하린은 2002년 바체바무용단을 이끌고 처음 내한해 〈데카당스〉를 선보였고, 이후 2007년 〈Three〉로 한국 관객들과 다시 만났다. 유니버설발레단은 그의 안무작 가운데 〈Minus 7〉을 2006년 국내 초연한 뒤 단체의 레퍼토리로 안착시켜 꾸준히 공연해 오고 있다.

서울시발레단의 〈데카당스〉는 2002년 바체바무용단이 공연한 동명 작품과는 조금 다른 버전이다. 나하린은 1990년 바체바무용단 예술감독으로 부임한 뒤 2000년 취임 10주년을 기념해 자신의 대표작들을 엮어 만든 〈데카당스〉를 초연했고 이 버전은 그 2년 뒤인 2002년 LG아트센터의 기획공연 무대에 올려지며 국내 관객들과 처음 만났다.

이번에 서울시발레단이 공연한 〈데카당스〉는 초연 버전에 있던 ‘Anaphaza’(1993), ‘Yag’(1996), ‘Minus 16’(1999) 외에 ‘Shalosh’(2005), ‘Seder’(2007), ‘Sadeh21’(2011), ‘Venezuela’(2017), ‘Anafase’(2023)까지 8개 작품이 망라되어 나하린의 30년간의 안무 세계를 짜임새 있게 펼쳐놓는다. 이 가운데 ‘Anaphaza’와 ‘Minus 16’에서는 유니버설발레단의 〈Minus 7〉에서 본 장면들을 다시 볼 수 있다. 나하린의 ‘Minus’ 시리즈는 전 세계 무용단체들이 각기 다른 넘버의 조합으로 숫자를 달리해 공연하고 있기 때문이다.

공연은 객석의 불이 다 꺼지기도 전에 무대 위에 등장한 무용수가 독무를 추는 것으로 시작한다. 발레나 현대무용의 어떤 테크닉으로도 이름 붙일 수 없는 이 춤은 전기 자극을 받아 감전되기라도 한 것처럼 몸을 떨고 비틀며 움직이는 다소 기괴한 몸짓이다. 독무는 무용수들이 한 명씩 추가되며 앙상블로 확장되고, 이윽고 본격적인 공연의 시작을 알리듯 암전되었다 밝아진 무대에는 의자가 반원형으로 배치되어 있고 검은색 슈트 차림에 중절모를 쓴 무용수들이 앉아 있다.

허리를 깊이 숙인 채 의자에 앉아 있던 무용수들은 파도타기를 하듯 한 명씩 일어나 상체를 뒤로 젖혔다 다시 앉기를 반복한다. 그런가 하면 앉은 상태로 한 팔로 의자 바닥을 짚고 뛰어오르기도 한다. 군무진이 반복적으로 동작을 수행하는 가운데 단 한 명은 그 움직임 방향과는 반대로 의자에서 내려와 바닥에 엎어지듯 쓰러졌다가 다시 의자에 앉는다. 그의 움직임은 똑같은 군무 움직임 사이에서 외딴섬처럼 별개의 것으로 존재한다.

무용수들은 중간중간 “Shebashamaim Uva’aretz”(히브리어로 ‘하늘과 땅에’라는 뜻)를 외치며 의자에 올라갔다 다시 내려온다. 무용수들의 움직임은 일사불란해 보이지만 그 움직임은 각자 질감이나 그루브가 다른 고유성을 가지고 있다. 이는 나하린이 움직임의 기본 어법으로 삼는 ‘가가(Gaga)’의 정신과 관련이 있으며, 이 움직임 어법은 정형화된 테크닉 훈련을 하는 것이 아니라 움직임의 가능성과 감각의 범위를 탐구하는 데 있다.

이를 통해 신체를 무너뜨리는 법을 배운 무용수들은 민첩성, 속도, 무게, 양감 등의 모든 면에서 기존의 표현과 다르게 움직인다. 신체를 엄격하게 단련해 움직임의 질적 퀄리티를 높이는 방향과는 반대로 움직이는 것이다. 공연에서는 “잊으세요, 당신이 아는 모든 걸”이라는 내레이션이 반복적으로 흘러나오는데, 이는 춤을 추는 무용수들이나 춤을 감상하는 관객들 모두에게 해당하는 조언이다.

무용수들이 움직임으로만 자신의 고유성을 드러내는 것은 아니다. 무용수들은 자신에게 주어진 짧은 솔로 무대에서 자신의 이름이 무엇인지, 어디서 왔는지, 자신의 정체성에 대해, 또 성 지향성에 대해 이야기한다. 왜 춤을 추게 되었는지, 춤이 왜 좋은지, 어떤 춤을 추고 싶은지에 대한 열망을 토로하기도 하고, 춤을 그만두고 나서 새롭게 시작할 다른 일상에 대한 소망을 펼쳐놓기도 한다. 이들의 이야기는 춤과 자기 자신을 연결하고, 자신과 가족과 동료, 연인 등 주변 사람들을 연결하며, 궁극적으로 무대와 세계를 연결한다.

장면이 전환되고 무용수 한 명이 나와 객석의 관객들을 모두 일으켜 세운 뒤 특정 조건을 소거하는 질문을 던져 관객들을 다시 자리에 앉게 한 다음 마지막으로 생일인 관객을 특정해(해당 조건을 맞추지 못하면 근접한 조건을 적용해) 무대 위로 올린다. 두 명의 무용수 사이에 끼어 앉게 된 관객은 무용수들이 움직이는 대로 따라 하거나 자신의 생각대로 움직이며 공연에 즉흥성을 더한다.

뒤를 이어 귀에 익숙한 〈Somewhere over the rainbow〉 음악과 함께 무용수들과 관객들이 무대 위에서 벌이는 춤판은 공연의 하이라이트다. 무용수들은 객석으로 내려와 자신의 파트너가 될 관객을 물색해 무대 위로 에스코트해 데려가고, 다소 머뭇거리거나 긴장된 기색으로 무대에 올라간 관객들은 언제 그랬냐는 듯 음악에 맞춰 신나게 춤을 추기 시작한다. 약속된 안무를 수행하는 무용수들과 저마다의 즉흥적이고 개성 있는 움직임을 펼쳐내는 관객들의 춤은 뜻밖에도 어색하지 않게 잘 어우러진다.

유니버설발레단이 〈Minus 7〉을 처음 선보인 20여 년 전만 해도 무대에 나서는 데 대한 난색을 표하는 관객들이 많아 무용수들이 어려움을 겪기도 했지만 이제는 참여형 공연이 전혀 낯설지 않게 된 관객들은 오히려 더 능숙하게 무용수를 리드하며 무대에 더욱 활기를 불어넣는다. 무대에 올라가 춤을 춘 관객들뿐 아니라 무대 아래에서 함께 흥겨워한 관객들의 반응이 공연을 완성하는, 참여형 공연의 가장 중요한 순간이다.

〈Minus 7〉은 관객들을 객석으로 돌려보낸 뒤 무용수들의 커튼콜로 이어지며 공연이 마무리되지만 〈데카당스〉는 이후에도 무용수들의 춤이 계속된다. 이 춤은 앞서 들었던 무용수들의 목소리와 다시 연결되어 그들이 각자 다른 몸과 정체성과 고유성을 지닌 채 그 자리에서 계속 춤을 출 것이라는 선언처럼 보인다. 그리고 이 선언은 다시 서울시발레단이 앞으로 어떤 공연으로 관객들과 만날지에 대한 비전과도 연결된다. 

지난해 서울시발레단 시즌 단원으로 공연에 참여했던 무용수 김희현은 발레단이 ‘시즌 단원’과 ‘프로젝트 단원’으로 무용수를 비정규직으로 운영하는 데 대해 비판을 가한 바 있다. 무대 위에서 솔직하게 발화된 무용수들의 목소리가 무대 아래에서도 제약 없이 발화되어 세계와의 연결을 만들어가는 발레단의 행보와 나란히 할 수 있다면 이 무형의 연결은 더욱 튼튼해질 것이다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Review

Vol.115-2 (2025.3.20.) Issue

Written by Yoon Dan-woo (Columnist of Performing Arts)

Photo provided by Sejong Center for the Performing Arts

Forget everything you knew about dance: Seoul City Ballet’s 〈Decadence〉

Seoul City Ballet began the season with Ohad Naharin's 〈Decadence〉(3.14-3.23, Sejong Center for the Performing Arts M Theater). In addition to Ohad Naharin, this year's performances include Hans van Manen, who premiered his work in Korea last year, and foreign choreographers such as Johan Inger, as well as Yoo Hoe-woong and German choreographer Heo Yong-soon, who participated in the pre-performance. For a new group in its second year, it is an incredibly solid and substantial lineup.

Ohad Naharin first visited Korea in 2002 with the Batsheva Dance Company and presented 〈Decadence〉 and then met Korean audiences again in 2007 with 〈Three〉. The Universal Ballet Company premiered 〈Minus 7〉 one of his choreographies, in Korea in 2006 and has steadily performed it since it became part of the company’s repertoire.

The Seoul Metropolitan Ballet’s 〈Decadence〉 is a slightly different version of the work of the same name performed by the Batsheva Dance Company in 2002. After taking office as the artistic director of the Batsheva Dance Company in 1990, Naharin premiered 〈Decadence〉 a compilation of his representative works, in 2000 to commemorate his 10th anniversary. This version met Korean audiences for the first time two years later, in 2002, when it was staged on the stage of the LG Arts Center’s planned performance.

The Seoul Metropolitan Ballet's 〈Decadence〉, which was performed this time, includes eight works, including 'Anaphaza' (1993), 'Yag' (1996), 'Minus 16' (1999), 'Shalosh' (2005), 'Seder' (2007), 'Sadeh21' (2011), 'Venezuela' (2017), and 'Anafase' (2023), in addition to the premiere version, and neatly unfolds Naharin's 30-year world of choreography. Among these, 'Anaphaza' and 'Minus 16' allow us to revisit scenes from Universal Ballet's 〈Minus 7〉. This is because Naharin's 'Minus' series is performed by dance companies around the world with different combinations of numbers.

The performance begins with a dancer appearing on stage and performing a solo before the lights in the auditorium have even gone out. This dance, which cannot be named by any ballet or modern dance technique, is a somewhat bizarre gesture in which the body trembles and twists as if it were shocked by an electric shock. The solo dance expands into an ensemble with the addition of dancers one by one, and soon the stage is darkened as if to signal the start of a full-fledged performance. Chairs are arranged in a semicircle on the illuminated stage, and dancers wearing black suits and bowler hats are sitting.

The dancers who were sitting on the chairs with their backs bent deeply stand up one by one as if surfing, lean their upper bodies back, and sit down again. Sometimes they jump up while sitting, holding the bottom of the chair with one arm. While the corps performs the movements repeatedly, one person gets down from the chair in the opposite direction of the movement, falls to the floor as if they were lying face down, and then sits down again. His movements exist as a separate island among the same corps movements.

The dancers step up onto the chair and then step down again, shouting “Shebashamaim Uva’aretz” (Hebrew for “heaven and earth”). The dancers’ movements appear to be in perfect unison, but each movement has its own unique texture and groove. This is related to the spirit of “Gaga,” which Naharin uses as the basic movement idiom, and this movement idiom is not about training in standardized techniques, but about exploring the possibilities of movement and the range of sensations.

Through this, the dancers who have learned how to break down their bodies move differently from their previous expressions in all aspects, including agility, speed, weight, and volume. This is the opposite of the direction of strictly training the body to improve the quality of movement. In the performance, the narration “Forget everything you know” is repeatedly played, which is advice for both the dancers who are dancing and the audience who are watching the dance.

The dancers do not reveal their uniqueness only through their movements. The dancers talk about their names, where they come from, their identities, and their sexual orientations in the short solo stages given to them. They also talk about why they started dancing, why they like dancing, and what kind of dancing they want to do. They also talk about their hopes for a new life after they quit dancing. Their stories connect dancing to themselves, their families, colleagues, lovers, and others around them, and ultimately, the stage to the world.

The scene changes, and a dancer comes out and makes all the audience members stand up, asks a question that eliminates a certain condition, and makes the audience members sit back down. Finally, they select an audience member whose birthday they are (if they don’t meet the condition, they apply a close condition) and bring them up on stage. The audience member who is seated between the two dancers follows the dancers’ movements or moves according to their own ideas, adding improvisation to the performance.

The dance scene between the dancers and the audience on stage to the familiar music of 〈Somewhere over the rainbow〉 is the highlight of the performance. The dancers come down to the audience, look for audience members who will be their partners, and escort them onto the stage. The audience members who come up on stage hesitantly or nervously start dancing to the music as if nothing had happened. The dancers performing the promised choreography and the audience members who show off their own improvised and unique movements surprisingly blend well together.

When Universal Ballet first presented 〈Minus 7〉 about 20 years ago, many audience members were reluctant to go on stage, so the dancers had a hard time. However, now that the audience members are familiar with participatory performances, they lead the dancers more skillfully and bring more energy to the stage. The reactions of the audience members who dance on stage as well as those who are excited together off stage are the most important moments in participatory performances, completing the performance.

〈Minus 7〉 ends with the curtain call of the dancers after the audience returns to the seats, but 〈Decadence〉 continues with the dancers’ dance. This dance is reconnected with the voices of the dancers that we heard earlier, and it seems like a declaration that they will continue to dance in that place with their own different bodies, identities, and uniqueness. And this declaration is also connected to the vision of what kind of performances the Seoul Metropolitan Ballet will meet the audience with in the future.

Kim Hee-hyun, a dancer who participated in the performance as a member of the Seoul Metropolitan Ballet season last year, criticized the ballet company for operating dancers as irregular workers as ‘season members’ and ‘project members.’ If the voices of the dancers who speak honestly on stage can be freely spoken off stage as well, and if they can be in line with the ballet company’s steps to create connections with the world, this intangible connection will become even stronger.