남성의 역사 속에 여성의 자리 만들기: 국립정동극장 〈적벽〉 & 국립창극단 〈보허자〉

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공연비평

Vol.116-1 (2025.4.5.) 발행

글_ 윤단우(공연칼럼니스트)

사진제공_ 국립정동극장, 국립극장

역사 속 이야기를 무대 위에 다시 올리는 것은 어려운 작업이다. 단순히 역사적 사실을 펼쳐놓는 것이 아니라 창작자의 역사관에 따라 전혀 새로운 이야기가 만들어지기에 조금만 길을 벗어나도 역사 왜곡이라는 비판이 뒤따르기 쉬우며, 역사는 승자의 기록이라는 표현처럼 안전한 길을 가느라 당대의 프로파간다를 재생산하는 시대착오를 범하기도 쉽다.

성별이라는 렌즈를 적용하면 문제는 더 심각해진다. 여성은 교육을 받고 경제권을 가지고 정치에 참여하는 일련의 사회적 활동에서 커다란 제약을 받아왔다. 현대사회에서 교육권과 참정권 면에서 어느 정도 평등을 이룬 듯 보이나 신문지상에는 아직도 ‘최초의 여성’으로 호명되며 남성의 영역에 도전하는 여성들의 이야기가 끊이지 않는다. 당대의 사회를 기록한 것이 역사일진대, 역사에서 여성들의 이야기는 찾기 어렵다. 역사가 남성들의 이야기를 남성의 시각으로 기록하는 동안 여성들의 이야기는 신화와 문학 속으로 침잠한다.

그렇다면 현대의 창작자들이 남성이 지배한 사회를 남성이 기록한 남성의 역사를 그대로 재현하는 편리한 방식을 피해 역사의 행간에 가려진 사람들의 이야기를 하려면 어떻게 접근해야 할까. 의미 있는 대답을 내놓은 두 편의 공연이 무대에 차례로 올려졌다.

남성의 전쟁 이야기에 균열을 내는 젠더프리 캐스팅

판소리 뮤지컬 〈적벽〉(3.13-4.20, 국립정동극장)이 여섯 번째 시즌으로 돌아왔다. 다섯 번째 시즌이었던 2022년 공연 당시 세종문화회관 M씨어터로 무대를 옮긴 것을 제외하면 내내 국립정동극장에서 공연이 올려지며 극장의 대표 레퍼토리로 자리매김하고 있다. 연출가 정호붕이 대본과 연출을, 현대무용가 김봉순이 안무를, 작곡가 신창렬이 작곡과 음악감독을 맡아 ‘판소리 뮤지컬’이라는 새로운 장르를 성공적으로 안착시켰다.

공연이 창극이 아니라 ‘판소리 뮤지컬’을 표방하고 있는 이유는 무엇일까. 소리꾼이 배역을 나눠 맡는 창극 형식을 취하고 있지만 실제로 창극의 요소는 소리꾼이 배역을 나누어 연기한다는 것뿐, 판소리를 빼고 본다면 성스루 뮤지컬에 좀 더 근접해 있다. 극의 전개에 박진감을 더해주는 속도감 있는 군무는 공연의 또 다른 정체성을 이루며 일반적인 창극 무대와는 차별화된다.

〈적벽〉은 중국소설 『삼국지연의』를 저본으로 형성된 판소리 〈적벽가〉가 원작이다. 그러나 판소리가 소리꾼의 말맛을 즐기는 ‘듣는’ 장르라면 이 ‘판소리 뮤지컬’은 소리꾼의 말맛은 물론이고 움직임이 조명 등 시각적 효과와 어우러진 총체극을 ‘보는’ 장르다. 도원결의부터 삼고초려, 장판교 전투, 그리고 작품의 대미인 적벽대전에 이르기까지, 숨 돌릴 틈 없이 달려가는 급박한 전개는 관객들이 소리를 곱씹으며 즐길 여유를 주지 않는다. 관객들은 공연이 끝날 때까지 이 아찔한 속도감을 온몸으로 견뎌내야 한다. 롤러코스터가 출발하면 중간에 내릴 수 없듯이, 〈적벽〉도 마찬가지다.

시즌을 거듭하는 동안 공연을 구성하는 요소들이 더욱 정교하게 다듬어지며 높아진 완성도로 관극의 즐거움 또한 배가되고 있다. 여섯 번째 시즌을 맞이하며 눈에 띄는 변화는 의상과 음악이다. 의상에는 갑옷을 형상화하기 위해 전통의 문살무늬에서 모티브를 딴 디자인 요소가 추가되었고, 국악과 뮤지컬 넘버가 공존했던 음악은 국악에 좀 더 초점을 맞추어 편곡되며 음악적 통일성이 강화되었다. 화려하고 역동적인 레이저 조명도, 전쟁의 긴박감을 더해주는 박진감 넘치는 군무도 여전하다.

〈적벽〉은 초연부터 젠더프리 캐스팅으로 크게 화제가 되었다. 판소리라는 장르가 원래부터 성별 구분 없이 소리꾼 한 사람이 모든 배역을 연기해 온 데다, 원전인 판소리 〈적벽가〉 보유자 또한 걸출한 여성 소리꾼이 여럿 있었음을 떠올리면 젠더프리 캐스팅에 특별한 의미부여를 할 일이 무엇인가 싶을 것이다. 하지만 판소리가 창극으로 발전하며 공고화된 배역의 성별 역할 분담을 깨트린 것, 그리고 그 작품이 전쟁 영웅들을 다루는 남성들의 서사인 〈적벽〉이라는 점은 결코 작은 의미가 아니다.

원작에 여성 인물이 거의 없다 보니(원작에 등장하는 여성 인물은 유비의 아내 미부인 정도다) 기존대로라면 남성 소리꾼으로 대거 채워졌겠지만 젠더프리 캐스팅을 통해 여성 소리꾼이 다수 등장하는 극이 된 것은 〈적벽〉을 더욱 특별하게 만드는 점이다. 주요 인물 가운데 공명과 자룡은 이제 여성 소리꾼의 배역으로 굳어졌고, 임지수와 김하연은 각각 공명과 자룡으로 공연을 거듭하는 동안 대체 불가능한 입지를 다지고 있다.

이 외에도 유비와 장비, 조조, 정욱, 주유, 서서 등의 주요 인물에 여성과 남성을 더블 캐스팅하고 있는 것도 눈에 띄는 점이다. 젠더 벤딩으로 성별에 따른 역할을 바꾸는 데에서 한발 더 나아가 역할에 대한 성별 고정관념을 무너뜨리는 시도다. 이번 공연에서도 유비, 조조, 정욱, 주유 등을 여성 소리꾼으로 만날 수 있다. 그동안 장비, 정욱 등의 남역을 훌륭히 소화해낸 소리꾼 정지혜가 이번 공연에서 유비로 변신해 처음으로 여성 유비를 보여주고, 조조를 맡은 이승희는 두 번째 여성 조조로 나선다. 강나현과 이진주는 4연에 이어 다시 한번 정욱과 주유로 분해 더욱 무르익은 소리와 연기를 선보인다.

이 같은 젠더프리 캐스팅의 의미는 그동안 남성에게 주어지던 배역을 여성이 연기한다는 데에서 그치지 않는다. 무대는 이보다 한 걸음 더 나아가 성별을 뛰어넘은 인간의 본질을 보여주는 동시에 이를 통해 남성의 얼굴로 대표되었던 인간의 이야기에 질문을 던진다. 남성이 ‘인간’을 연기하는 동안 여성은 왜 ‘여성’으로 머물러야 했는가라는 이 새삼스러운 질문은 여성도 ‘인간’이라는(‘여성’이 아니라) 더욱 새삼스러운 답을 도출해낸다.

무대 위에서 재배치된 여성, 희생자에서 증언자로

국립창극단은 신작 〈보허자(步虛子): 허공을 걷는 자〉(3.13-3.20, 국립극장 달오름극장)로 관객들과 올해 첫 만남을 가졌다. 지난해 11월 선보인 〈이날치傳〉에 이은 2024-2025 레퍼토리시즌 두 번째 신작으로, 연출가 김정이 처음 창극 연출에 도전하고, 극작가 배삼식의 극본에 소리꾼 한승석이 작창과 음악감독을 맡았다.

제목의 ‘보허자(步虛子)’는 고려시대 송나라에서 전래되어 궁중음악으로 수용된 악곡 중 하나로, 허공 위를 거니는 신선과 도교 사상을 소재로 불로장생을 기원하는 음악이다. 작품에서는 ‘허공을 걷는 자’라는 한자의 뜻을 가져오되, 계유정난이라는 비극으로 삶이 파괴되어 현실에 발 디딜 곳 없이 허공을 거니는 듯 정처 없이 살아가는 사람들이라는 의미를 담았다.

줄거리는 단순하다. 계유정난이 일어나고 27년이 지난 1480년, 안평대군의 자식 중 유일하게 살아남은 딸 무심이 오랜 노비 생활에서 풀려나 고향으로 돌아온다. 화가 안견은 안평의 첩이었다가 정난 후 관노비로 전락한 대어향을 거두고 있다. 세 사람은 폐허가 된 안평의 옛집인 수성궁 터에서 다시 만나고, 이 오랜만의 해후에 안평을 기억하는 정체 모를 나그네가 끼어든다. 이들은 안평이 꿈에서 본 도원을 그린 안견의 ‘몽유도원도’를 보기 위해 그림이 보관된 사찰 대자암으로 함께 여정을 떠난다.

공연은 안평이 정난 당시 사사(賜死)되지 않고 살아남아 나그네로 평생 떠돌았다는 새로운 상상력에서 출발한 팩션(faction)으로 전개된다. 나그네가 된 안평에게는 죽은 수양의 혼령이 따라다니며 정난의 비극을 끊임없이 곱씹게 만든다. 이름을 잃은 나그네 안평과 그의 딸 무심, 애첩에서 노비가 된 대어향, 총애를 받았던 화가 안견, 이들은 안평의 꿈이 담겨 있는 그림을 보는 것으로 비극으로 찢겨나간 삶을 위로하려 한다. 

안평은 김준수, 무심은 민은경, 안견은 유태평양, 대어향은 김미진, 수양은 이광복이 맡아 이렇다 할 눈대목 없이 서늘하게 흘러가는 쓸쓸한 노래로 공허함만이 남은 삶을 이어가야 하는 회한에 찬 인물을 연기한다.

이름을 잃고 혼령과 함께 떠도는 나그네 안평은 살았는지 죽었는지도 불분명한 인물이다. 그의 삶을 파괴한 비극은 아이러니하게도 딸 무심과 애첩 대어향이 비극 이후 얻은 삶을 통해 증명된다. 무심은 노비로 전락하고, 역시 노비가 되었던 대어향은 사고로 장애를 얻은 뒤 안견에게 구명된다. 무심과 대어향의 비극은 그들 자신만의 것이 아니라 안평의 비극이기도 하다.

안평의 비극을 증명하는 도구로 사용되는 두 인물이 여성인 것은 여성의 위치성을 보여주는 의미 있는 장치다. 권력을 둘러싸고 벌어진 싸움에서 희생되는 것은 싸움의 패자만이 아니라 싸움과 무관한 죄 없는 약자들이며, 그 약자들이 여성으로 표상되고 있는 것은 당대 여성의 위치를 보여주는 단면이기도 하다. 그러나 공연에서는 그렇게 희생된 여성들이 당대의 비극을 복원하는 증언자로 되살아나 무대 위에서 여성의 위치를 재배치하고 있다. 여전히 비극의 도구라는 한계는 있지만 그럼에도 희생자에서 증언자로 새로운 지위를 얻게 된 것이다.

그리고 이들 네 사람이 대자암에 도착했을 때 오랜 동안 보관되어 있던 몽유도원도를 꺼내어 보여주는 것은 비구니 본공이다. 공연에서 네 사람이 몽유도원도를 보는 것은 깊고 오랜 한(恨)을 해소하는 가장 중요한 장면인데, 본공을 맡은 김금미는 묵직하고도 진중한 소리로 산산이 흩어지는 인물들의 감정선을 잡아 누르며 중심을 잡는다.

공연은 인물의 황폐해진 내면에 집중하며 서늘한 비극을 현대적으로 완성해내는 데에는 성공했다. 그렇다고 아쉬움이 없는 것은 아니다. 시적인 전개와 비교하면 안평과 수양이 줄로 묶여 있는 연출은 너무 일차원적이고, 비극의 당사자들인 안평과 수양의 이야기와 안평의 비극으로 인해 파편화된 무심과 대어향, 안견 세 사람의 이야기는 잘 어우러지지 않다 보니 극의 전개가 매끄럽지 않고 울퉁불퉁 튄다. 공연의 시작점이라 할 무심의 귀향 장면에서도 무심에게 좀 더 섬세한 감정선과 노래를 주었다면 극의 인상도 좀 덜 산만했을 것이다. 이 눈대목 없는 서늘하고 아름다운 새로운 창극이 앞으로의 창극단 레퍼토리에도 변화를 가져다줄지는 재연, 그리고 다음 시즌을 기다려볼 일이다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Review

Vol.116-1 (2025.4.5.) Issue

Written by Yoon Danwoo (Columnist of Performing Arts)

Photos provided by National Jeongdong Theater, National Theater

Creating a Place for Women in Men's History: National Jeongdong Theater's 〈Red Cliff〉 & National Changgeuk Company's 〈Boheoja〉

It is a difficult task to bring a story from history back to the stage. It is not simply unfolding historical facts, but rather creating a completely new story based on the creator's view of history, so even a slight deviation from the path can easily be followed by criticism of historical distortion, and it is easy to commit an anachronism of reproducing contemporary propaganda while taking the safe path, as in the expression that history is the record of the victors.

The problem becomes more serious when gender is applied as a lens. Women have been greatly restricted in a series of social activities, such as receiving education, having economic power, and participating in politics. Although it seems that modern society has achieved a certain degree of equality in terms of the right to education and voting rights, there are still endless stories in newspapers about women who are called the 'first women' and challenge the domain of men. If history is a record of contemporary society, it is difficult to find women’s stories in history. While history records men’s stories from a male perspective, women’s stories are immersed in myths and literature.

So how should modern creators approach the story of people hidden between the lines of history, avoiding the convenient method of reproducing the history of men written by men in a society dominated by men? Two performances that provided meaningful answers were presented one after another on stage.

Gender-free casting that cracks men’s war stories

The pansori musical 〈Red Cliff〉(March 13-April 20, National Jeongdong Theater) has returned for its sixth season. Except for the 2022 performance, which moved to the Sejong Center for the Performing Arts M Theater during its fifth season, it has been performed at the National Jeongdong Theater throughout its run, establishing itself as a representative repertoire of the theater. Director Jeong Ho-bung took charge of the script and direction, contemporary dancer Kim Bong-soon took charge of the choreography, and composer Shin Chang-ryeol took charge of the composition and music direction, successfully establishing the new genre of ‘pansori musical’.

Why is the performance advertised as a ‘pansori musical’ rather than a changgeuk? Although it takes the form of a changgeuk in which singers take on different roles, the only element of a changgeuk is that the singers take on different roles. If we take out the pansori, it is closer to a musical. The fast-paced group dance that adds excitement to the development of the play forms another identity of the performance, differentiating it from a typical changgeuk stage.

The original work of 〈Red Cliff〉 is the pansori 〈Red Cliff Song〉, which was formed based on the Chinese novel 〈Romance of the Three Kingdoms〉. However, while pansori is a ‘listening’ genre that enjoys the taste of the singer’s words, this ‘pansori musical’ is a ‘watching’ genre that combines the taste of the singer’s words with visual effects such as lighting and movement. From the Peach Garden Oath to the Samgochoryeo, the Battle of Jangpan Bridge, and the final battle of Red Cliffs, the fast-paced development that runs without a moment to catch one’s breath does not give the audience time to savor the sounds and enjoy them. The audience must endure this thrilling speed with their whole body until the end of the performance. Just as you cannot get off a roller coaster once it starts, the same goes for Red Cliffs.

As the seasons go by, the elements that make up the performance have become more elaborate, and the pleasure of watching the play has also doubled with the increased perfection. The noticeable changes in the sixth season are the costumes and music. Design elements inspired by traditional lattice patterns were added to the costumes to symbolize armor, and the music, which used to be a mix of Korean traditional music and musical numbers, was arranged to focus more on Korean traditional music, strengthening the musical unity. The splendid and dynamic laser lighting and the thrilling group dance that adds to the tension of war are still present.

Red Cliffs has been a hot topic since its premiere due to its gender-free casting. Considering that the genre of pansori has always had one singer perform all roles regardless of gender, and that the original pansori, Jeokbyeokga, also had several outstanding female singers, you may wonder why there is any special meaning in gender-free casting. However, the fact that pansori broke the gender division of roles that had been solidified as it developed into changgeuk, and that the work is Jeokbyeok, a male epic dealing with war heroes, is by no means a small meaning.

Since there are almost no female characters in the original work (the only female character in the original work is Lady Mi, the wife of Yu-bi), it would have been filled with male singers if it had been done as usual, but the fact that it became a play with many female singers through gender-free casting makes Jeokbyeok even more special. Among the main characters, Gongmyeong and Jaryong have now solidified their roles as female singers, and Im Ji-su and Kim Ha-yeon have established irreplaceable positions as Gongmyeong and Jaryong, respectively, through repeated performances.

In addition, it is notable that the main characters of Liu Bei, Zhang Fei, Cao Cao, Zheng Yu, Zhou Yu, and Xu Shu are double-casted as women and men. This is an attempt to go one step further than changing roles according to gender through gender bending and break down gender stereotypes about roles. In this performance, Liu Bei, Cao Cao, Zheng Yu, and Zhou Yu will also be played by female singers. Singer Ji Hye Jeong, who has played male roles such as Zhang Fei and Zheng Yu, has transformed into Liu Bei for the first time in this performance, and Lee Seung-hee, who played Zhou Yu, will appear as the second female Zhou. Kang Na-hyun and Lee Jin-joo will once again play Zheng Yu and Zhou Yu, following their fourth performance, and show even more mature voices and acting.

The significance of this gender-free casting does not end with women playing roles that were previously given to men. The stage goes one step further and shows the essence of humanity that transcends gender, while at the same time asking questions about the stories of humanity that have been represented by male faces. This new question of why women had to remain as ‘women’ while men played ‘humans’ leads to an even more new answer: women are also ‘humans’ (not ‘women’).

Women repositioned on stage, from victims to witnesses

The National Changgeuk Company met the audience for the first time this year with its new work, 〈Boheoja (步虛子): The One Who Walks in the Air〉 (March 13-20, National Theater Daloreum Theater). This is the second new work of the 2024-2025 repertory season following 〈Lee Nal Chi Jeon〉 presented in November last year. Director Kim Jeong challenges himself to direct a changgeuk for the first time, and singer Han Seung-seok takes on the writing and music direction of playwright Bae Sam-sik’s script.

The title, ‘Boheoja (步虛子)’, is one of the pieces of music that was introduced from the Song Dynasty during the Goryeo Dynasty and adopted as court music. It is a piece of music that prays for immortality based on the idea of ​​a god walking in the air and Taoist philosophy. The piece uses the Chinese character meaning ‘one who walks in the air’, but also contains the meaning of people who live a life of wandering in the air without a place to stand in reality due to the tragedy of the Gye-Yu Jeongnan. The plot is simple. In 1480, 27 years after the Gye-Yu Jeongnan, Musim, the only surviving daughter of Prince Anpyeong, is released from her long life as a slave and returns to her hometown. The painter An Gyeon takes in Dae-eo-hyang, who was Anpyeong’s concubine but fell to being a government slave after the Jeongnan. The three meet again at the ruins of Anpyeong’s old house, Suseong Palace, and an unidentified traveler who remembers Anpyeong intervenes in this long-awaited reunion. They go on a journey together to Daejaam Temple where the painting of An Gyeon's 'Dream Journey to the Peach Blossom Land', which depicts An Pyeong's dream, is stored.

The performance is a faction that begins with the new imagination that An Pyeong was not executed during the Jeongnan but survived and wandered as a traveler for the rest of his life. An Pyeong, who became a traveler, is followed by the spirit of the dead Suyang, making him constantly reminisce about the tragedy of the Jeongnan. An Pyeong, a traveler who lost his name, his daughter Musim, Dae Eo-hyang, who was a concubine turned into a slave, and An Gyeon, a painter who was favored, try to console their lives torn apart by tragedy by looking at the painting containing An Pyeong's dream.

Anpyeong is played by Kim Jun-su, Musim is played by Min Eun-kyung, An Gyeon is played by Yoo Tae-pyeong, Dae-eo-hyang is played by Kim Mi-jin, and Su-yang is played by Lee Gwang-bok. They play characters full of regret who must continue their lives with only emptiness left, with a cold and lonely song that flows without any notable highlights.

Anpyeong, a wanderer who has lost his name and wanders with his spirit, is a character whose life is unclear. The tragedy that destroyed his life is ironically proven through the lives that his daughter Musim and concubine Dae-eo-hyang gain after the tragedy. Musim becomes a slave, and Dae-eo-hyang, who also became a slave, becomes disabled in an accident and is saved by An Gyeon. The tragedy of Musim and Dae-eo-hyang is not just theirs, but also Anpyeong's tragedy.

The fact that the two characters used as tools to prove Anpyeong's tragedy are women is a meaningful device that shows the positionality of women. In the fight for power, those who are sacrificed are not only the losers of the fight, but also the innocent weak who have nothing to do with the fight, and the fact that these weak are represented as women is also a cross-section of the position of women at the time. However, in the performance, the women who were sacrificed are revived as witnesses who restore the tragedy of the time, and the position of women on the stage is rearranged. Although there is still a limitation as a tool of tragedy, they have gained a new status from victims to witnesses.

And when these four people arrive at Daejaam, it is Bongong who takes out the Dream Journey to the Peach Blossom Land that has been stored for a long time and shows it to them. In the performance, the four people looking at the Dream Journey to the Peach Blossom Land is the most important scene that resolves deep and long-standing resentment, and Bongong, who plays the role, holds the characters’ emotional lines that are scattered in a deep and serious voice and maintains the center.

The performance succeeds in completing the cool tragedy in a modern way by focusing on the characters’ devastated inner selves. However, this does not mean that there is no regret. Compared to the poetic development, the direction in which Anpyeong and Suyang are tied together by a string is too one-dimensional, and the stories of Anpyeong and Suyang, the parties involved in the tragedy, and the stories of the three people, Musim, Daeohyang, and An Gyeon, who are fragmented due to Anpyeong’s tragedy, do not blend well, so the development of the play is not smooth and bumpy. In the scene of Musim’s homecoming, which can be said to be the starting point of the performance, if Musim had been given a more delicate emotional line and song, the impression of the play would have been less distracting. Whether this cool and beautiful new Changgeuk without a single blind eye will bring changes to the Changgeuk troupe’s repertoire in the future will be something to wait for the rerun and the next season.