전통의 현대화라는 같은 출발점에서 나온 다른 해석: 국립무용단 〈미인〉 & 서울시무용단 〈스피드〉

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공연비평

Vol.116-2 (2025.4.20.) 발행

글_ 윤단우(공연칼럼니스트)

사진제공_ 국립극장, 세종문화회관

‘지금 여기’는 모든 컨템퍼러리 예술의 가장 중요한 화두라 할 수 있다. 일반적으로 무용을 시간의 예술인 음악과 공간의 예술인 건축과 비교하며 시간과 공간 모두에 관계되는 예술이라 설명하는데, 그렇다면 시간과 공간을 모두 경유해 ‘지금 여기’에 도달해야 하는 컨템퍼러리 무용의 부담은 더욱 막중해진다. 그리고 ‘전통의 현대화’가 이제는 낡고 식상한 관용구가 되어 때로는 발화의 당사자조차 관성적인 수식어로 사용하기 일쑤인 현실에서 과거의 시간을 켜켜이 껴안은 무거운 몸으로 ‘지금 여기’에 서 있는 전통춤의 방향성은 막연하기만 하다. 그럼에도 끈질기게 ‘전통의 현대화’를 모색하고 있는 컨템퍼러리 한국춤의 현 위치는 어디쯤일까. 가늠자가 될 수 있는 두 편의 공연이 차례로 올려졌다.

미장센에 지워진 춤, 국립무용단 〈미인〉

국립무용단의 신작 〈미인〉은 공연 전부터 국립극장의 상반기 최대 기대작으로 화제를 모았다. 4월 3일부터 6일까지 국립극장 해오름극장에서 올려진 4회차의 공연은 한국무용 공연으로는 매우 이례적으로 개막 한 달여 전에 이미 전회 전석 매진되었고, 이에 따라 극장 측에서는 기자들과 평론가들에게만 공개되는 프레스 리허설을 일반 관객들을 위해 따로 오픈하기도 했다. 공연은 제작진으로 참여한 아티스트의 면면부터가 이보다 화려할 수 없을 정도로 막강하다. 극단 여행자를 이끌며 연극은 물론 뮤지컬과 오페라까지 세계를 확장해 온 연출가 양정웅이 구성과 연출을, Mnet 서바이벌 프로그램 〈스테이지 파이터〉에 한국무용 코치로 참여한 안무가 정보경이 안무를 맡아 공연의 뼈대를 잡고, 패션지 〈보그 코리아〉의 1세대 스타일리스트로 활약한 한복 디자이너 서영희가 의상과 오브제를, 영화음악과 대중음악을 넘나드는 동시에 무대음악에서도 중요한 이정표를 남기고 있는 장영규가 음악을, NCT127과 아이브 등의 아이돌그룹 뮤직비디오로 유명한 신호승이 무대 디자인을 맡아 공연의 미학을 완성했다. 보도자료에서는 이 제작진을 ‘K-컬처 어벤저스’로 명명하고 있는데, 이 명명은 공연이 개막하기도 전에 도착지를 알려주는 예고편이다.

제목의 〈미인〉은 신윤복의 〈미인도〉에서 영감을 받은 것으로, 공연은 29명의 여성 무용수들이 부채춤, 탈춤, 칼춤 등 총 11개의 민속춤을 60분간 선보인다(6월에 예정된 또 다른 신작 〈파이브 바이브〉는 남성 무용수들만의 무대로 꾸며진다). 중간 휴식 시간은 없지만 공연은 2부로 나뉘어 1부에서 놋다리밟기, 칼춤, 승무, 나비춤, 산조, 살풀이, 강강술래가, 2부에서는 북춤, 부채춤, 베가르기, 탈춤이 펼쳐졌다.

공연은 놋다리밟기나 강강술래처럼 여성들의 놀이와 군무를 현대적으로 재해석하기도 하고, 남성 연희자들이 추는 탈춤을 여성 군무로 재해석해 보여주기도 한다. 그러나 전통의 재해석이라 부를 수 있는 것은 여기까지다. 병렬적으로 나열된 춤은 춤과 춤 사이의 유기적인 연결성도, 전통과 현대를 연결하는 시간성도 갖지 못한 채 등퇴장을 반복할 뿐이다. 이 춤들이 ‘지금 여기’와 어떻게 관계되는지 답을 내놓지 못하는 것 또한 당연한 수순이다. 앞서 열거한 화려한 면면의 제작진 가운데 답을 내놓을 주체가 없기 때문이다.

공연은 ‘패션을 입은 한국춤’을 선보이겠다는 일성대로 무용수들이 500여 벌의 의상을 갈아입는 숨가쁜 런웨이로 진행된다. 심지어 무용수들은 강강술래를 하던 도중 대형을 바꾸어 일렬로 서서 모델처럼 워킹을 하며 퇴장한다. 패션업계가 현대 여성의 아름다움을 선도하는 선봉장 역할을 해왔다는 사실을 상기한다면 춤이 아닌 워킹의 움직임을 통해 전통과 현대를 잇는 새로운 시도를 한 것으로도 해석할 수 있을 것이다. 그러나 이는 ‘전통의 현대화’가 말하는 현대성을 도리어 축소시키는 해석으로, 그렇다면 왜 패션을 경유한 현대화여야 하는가라는 지엽적인 질문으로 빠지게 되어 춤과의 거리를 벌린다.

압도적인 미장센을 통해 한국무용의 고루한 인상을 바꾸어 시각적인 충격을 던지는 것은 디자이너 정구호가 한국무용 무대에서 가장 중요한 무용 연출가로 등극한 2010년대 이후 새로운 기준점이 되었다. 그리고 국립무용단의 신작 〈미인〉은 이 미장센에 대한 강박으로 미장센은 무엇을 위해 존재하는가라는 또 다른 질문을 낳았다. 이는 예술이, 특히 컨템퍼러리 예술이 관객과 대화를 주고받는 것이라는 본질을 잊어버린 채 도달한 한 걸음의 후퇴라 할 수 있다. 예술은 발화이지 전시가 아니다. 그것이 미술관에 전시된 회화 작품일지라도 말이다.

속도가 일깨운 춤, 서울시무용단 〈스피드〉

서울시무용단은 4월 24일부터 27일까지 세종문화회관 S씨어터에서 윤혜정 단장이 안무한 〈스피드〉를 선보였다. 지난해 무용단장으로 취임한 뒤 처음 발표하는 신작으로, 역시 개막 전 전회 전석 매진되며 높아진 기대감 속에 공연을 올렸다.

〈스피드〉는 한국춤의 기본이 되는 장단에서 출발해 박자와 속도가 변화함에 따라 움직임이 어떻게 변화하는지 실험한다. 윤혜정 단장은 현대사회의 복잡다단한 특징 가운데 ‘속도’에 주목하며 이번 작품을 통해 “한국무용은 느리고, 정적이며, 고요하다는 편견을 깨고 싶다”고 밝혔는데, 이는 현대무용에서 말하는 “현대무용은 지루하고 재미없다는 편견에서 벗어나고 싶다”라는 발화의 한국무용 버전이라 할 수 있으며, 이러한 발화는 결과물이 어디에 도달했는가를 살피기 전에 그 결과물이 어디서 출발했는가를 보여주는 기준점이 되기에 귀담아 들을 필요가 있다.

공연은 암전되어 어두운 무대 뒤쪽 모래시계처럼 보이는 구조물을 비추며 시작된다. 속도를 사전에서는 ‘물체의 단위 시간 내에서의 위치 변화’로 풀이하고 있는데, 측정 단위인 시간을 은유하기 위해 모래시계라는 오브제를 사용하였으나, 이 모래시계의 생김새는 장구의 단면을 닮아있다. 공연 전체가 커다란 장구 안에서 펼쳐지고 있다고 해도 과언이 아닌 것이다. 무용수들은 무대로 변한 장구 안에서 장구 장단에 의해 전개되는 속도의 변화를 몸으로 구현한다. 단지 그뿐이다.

그러나 텍스트상으로는 이렇듯 매우 단순하게 요약되는 공연이지만 만듦새는 그리 간단치 않다. ‘스피드’라는 제목에서 받을 수 있는 선입견과 달리 무용수들은 무대에서 ‘달리지’ 않는다. 달리지 않으면서 속도를 구현해 낸다는 게 선뜻 상상하기 쉽지 않지만, 공연은 안무가 아니라 연출로 관객들의 허를 찌르며 속도에 대한 선입견을 무너뜨린다.

무용수들이 충분히 ‘느리고 정적이며 고요하게’ 움직이며 속도를 신중하게 운영하는 동안 조명과 영상이 현란하게 움직이며 무대를 ‘달리게’ 만든다. 앞서 말한 것처럼 무용수들은 커다란 장구 안에 들어가 있고, 장구가 가변적으로 박자를 운영하는 데 따라 움직임을 조율한다. 조명과 영상으로 운영되는 장구의 속도에 맞춰 무용수들도 가변적으로 움직인다. 장구가 빨라지면 무용수들은 느려지고, 장구가 느려지면 무용수들은 빨라지는 식이다.

이석의 LED 아트와 게레스 그린의 조명디자인은 공연의 일부가 아니라 움직임의 일부가 되어 이러한 속도 변화에 관여한다. 황민왕의 타악과 해미 클레멘세비츠의 전자음악은 이질감 없이 결합되어 움직임에 매끄럽게 달라붙는다. 음악도 공연의 한 주체로 움직임을 당겼다 밀었다 하며 속도 운영에 가담하는 것이다. 흰색과 검은색의 무채색을 주조로 한 민천홍의 미니멀한 의상은 움직임에만 집중할 수 있도록 활동성을 중심으로 디자인되어 춤을 보조하되, 붉은색 발토시로 포인트를 주어 움직이는 발을 강조한다.

그러나 이 또한 규칙성을 갖지 않고 예측에서 빗나간 흐름이 반복된다. 조명과 영상은 이러한 속도의 변화를 시각적으로, 또 효율적으로 구현한다. 객석에 앉은 관객들도 자신들의 몸이 반응하는 본연의 속도대로 공연을 감상하지 못하고 긴장감을 최대로 올린 채 무대의 속도에 감응해야 한다. 장구 안에 들어간 것은 무용수들만이 아니기 때문이다.

김민지와 노연택을 더블 캐스팅해 속도의 유연한 운영을 보여주는 5장은 공연의 주제가 압축된 핵심적인 장면이다. 군무 중심으로 전개되던 안무가 잠시 솔리스트에게로 초점이 옮겨지는 이 장면에서 관객들은 안무적으로도, 연출적으로도 공연에서 가장 변화무쌍하고 아름다운 움직임을 볼 수 있다.

윤혜정 단장은 컨템퍼러리 창작자들이 갇히기 쉬운 강박, 시대와 공명하는 예술이 되기 위해선 시대에 대한 문제제기를 해야 한다는 강박을 내려놓고 그저 속도의 향연을 무대 위에 펼쳐 보이는데, 이는 현대인들이 이미 일상 깊숙이 받아들이고 있는 속도의 감각을 시각화함으로써 속도에 대한 가치판단이 아니라 속도 그 자체 대한 깊은 응시를 만들어낸다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Review

Vol.117-2 (2025.5.20.) Issue

Written by Danwoo Yoon (Columnist of Performing Arts)

Photos provided by National Theater, Sejong Center for the Performing Arts

Different interpretations from the same starting point of modernization of tradition: National Dance Company's 〈Beauty〉 & Seoul Metropolitan Dance Company's 〈Speed〉

'Here and now' can be said to be the most important topic of all contemporary art. Dance is generally compared to music, the art of time, and architecture, the art of space, and is explained as an art related to both time and space. If that is the case, the burden of contemporary dance, which must reach 'here and now' via both time and space, becomes even more significant. And in reality, where 'modernization of tradition' has now become an old and tired idiom, and sometimes even the parties involved in the speech often use it as an inertial modifier, the direction of traditional dance, which stands in 'here and now' with a heavy body that embraces the past, is vague. However, where does contemporary Korean dance stand today, persistently seeking to ‘modernize tradition’? Two performances that can serve as a gauge have been presented one after another.

Dance erased from mise-en-scène, National Dance Company’s 〈Beauty〉

The National Dance Company’s new work 〈Beauty〉 has been a hot topic since before its performance as the most anticipated work of the first half of the year at the National Theater. The 4th performance, which took place from April 3 to 6 at the National Theater’s Haeoreum Theater, sold out all the tickets a month before its opening, which is very unusual for a Korean dance performance. Accordingly, the theater even opened a press rehearsal that was open only to reporters and critics for the general audience. The lineup of artists who participated in the production of the performance is so impressive that it could not have been more splendid. Director Yang Jeong-ung, who has expanded the world of theater, musicals, and operas while leading extreme travelers, took charge of the composition and direction, choreographer Jeong Bo-gyeong, who participated as a Korean dance coach in the Mnet survival program 〈Stage Fighter〉, took charge of the choreography to establish the framework of the performance, Hanbok designer Seo Young-hee, who was active as a first-generation stylist for the fashion magazine 〈Vogue Korea〉, designed the costumes and objects, Jang Young-gyu, who has crossed over from film music to pop music and has also left important milestones in stage music, took charge of the music, and Shin Ho-seung, who is famous for the music videos of idol groups such as NCT 127 and I.B., took charge of the stage design to complete the aesthetics of the performance. The press release calls this production team the ‘K-Culture Avengers’, which is a trailer that announces the destination before the performance even opens.

The title, 〈Beauty〉 is inspired by Shin Yun-bok’s 〈Portrait of a Beauty〉. The performance features 29 female dancers performing 11 folk dances, including fan dance, mask dance, and sword dance, for 60 minutes (another new work, 〈Five Vibes〉 scheduled for June, will feature a stage exclusively for male dancers). There is no intermission, but the performance is divided into two parts: Part 1 features Nodari Bapgi, sword dance, Seungmu, butterfly dance, sanjo, salpuri, and ganggangsullae, while Part 2 features bukchum, fan dance, begargi, and mask dance.

The performance reinterprets women’s games and group dances, such as Nodari Bapgi and Ganggangsullae, in a modern way, and also reinterprets mask dances performed by male performers as female group dances. However, this is where the reinterpretation of tradition ends. The dances listed in parallel do not have an organic connection between dances or a temporality that connects tradition and modernity, but only repeat their entrance and exit. It is also natural that they cannot provide an answer as to how these dances relate to the ‘here and now.’ This is because there is no one among the splendid production team listed above who can provide an answer.

The performance proceeds as a breathtaking runway with dancers changing over 500 costumes, as promised to present ‘Korean dance in fashion.’ The dancers even change formation while performing Ganggangsullae, standing in a line and walking like models as they exit. If we recall that the fashion industry has been at the forefront of leading the beauty of modern women, it can be interpreted as a new attempt to connect tradition and modernity through the movement of walking, not dancing. However, this interpretation actually reduces the modernity that ‘modernization of tradition’ speaks of, and thus, it falls into the trivial question of why modernization must be through fashion, thereby increasing the distance between dance and modernity.

Changing the stereotypical impression of Korean dance through overwhelming mise-en-scène and delivering visual shock has become a new standard since the 2010s, when designer Jeong Gu-ho emerged as the most important dance director on the Korean dance stage. And the National Dance Company’s new work, 〈Beauty〉 has raised another question about what mise-en-scène exists for, due to its obsession with mise-en-scène. This can be said to be a step backwards that art, especially contemporary art, has reached while forgetting its essence of communicating with the audience. Art is a utterance, not an exhibition. Even if it is a painting displayed in an art museum.

Dance awakened by speed, Seoul Metropolitan Dance Company’s 〈Speed〉

Seoul Metropolitan Dance Company presented 〈Speed〉 choreographed by Director Yoon Hye-jeong at Sejong Center for the Performing Arts’ S Theater from April 24 to 27. This is the first new work presented since taking office as director of the dance company last year, and the performance was held amidst high expectations, as all tickets were sold out before the opening.

〈Speed〉 starts from the basic rhythm of Korean dance and experiments with how movements change as the beat and speed change. Director Yoon Hye-jeong focuses on ‘speed’ among the complex characteristics of modern society and says, “I want to break the prejudice that Korean dance is slow, static, and quiet” through this work. This can be said to be the Korean dance version of the statement in modern dance, “I want to break away from the prejudice that modern dance is boring and uninteresting.” This statement is worth listening to because it serves as a reference point that shows where the result originated before examining where the result has reached.

The performance begins with the lights turned off and a structure that looks like an hourglass is illuminated at the back of the dark stage. The dictionary defines speed as ‘the change in position of an object within a unit of time’, and the object called an hourglass was used to metaphorically represent time, which is a unit of measurement. However, the shape of this hourglass resembles the cross-section of a janggu. It is no exaggeration to say that the entire performance unfolds inside a large janggu. The dancers embody the changes in speed that unfold according to the janggu rhythm within the janggu that has been transformed into a stage. That is all.

However, although the performance is summarized very simply in text, the production is not so simple. Contrary to the preconceptions that may arise from the title ‘Speed,’ the dancers do not ‘run’ on stage. It is not easy to imagine that they can embody speed without running, but the performance surprises the audience with its production, not its choreography, and breaks down their preconceptions about speed.

While the dancers move sufficiently ‘slowly, statically, and quietly’ and carefully manage their speed, the lights and images move dazzlingly and make the stage ‘run.’ As mentioned earlier, the dancers are inside a large janggu and coordinate their movements according to the janggu’s variable beats. The dancers also move variably according to the speed of the janggu that is managed by the lights and images. When the janggu gets faster, the dancers get slower, and when the janggu gets slower, the dancers get faster.

Lee Seok's LED art and Gareth Green's lighting design are not part of the performance, but part of the movement, participating in this change in speed. Hwang Min-wang's percussion and Haemi Klemensiewicz's electronic music are combined without any sense of incongruity, smoothly sticking to the movement. The music also participates in the speed management by pulling and pushing the movement as a subject of the performance. Min Cheon-hong's minimalistic costumes, mainly in white and black, are designed with activity as the main focus so that you can focus only on the movement, and they support the dance, but they emphasize the moving feet with red footwear.

However, this also does not have a regularity, and the flow that deviates from the prediction is repeated. The lighting and video implement this change in speed visually and efficiently. The audience sitting in the audience cannot enjoy the performance at the natural speed that their bodies react to, and must respond to the speed of the stage with maximum tension. This is because it is not only the dancers who are inside the janggu.

Chapter 5, which shows the flexible use of speed by double casting Kim Min-ji and Noh Yeon-taek, is a key scene where the theme of the performance is compressed. In this scene, where the choreography that had been centered around group dance shifts its focus to the soloist for a moment, the audience can see the most diverse and beautiful movements in the performance, both choreographically and production-wise.

Director Yoon Hye-jeong lets go of the obsession that contemporary creators tend to get stuck in, that in order to create art that resonates with the times, they must raise issues about the times, and simply unfolds a feast of speed on stage. This visualizes the sense of speed that modern people have already deeply accepted in their daily lives, thereby creating a deep contemplation of speed itself rather than a value judgment on speed.