비워지는 것에서 시작되는 움직임: 한-싱가포르 수교 50주년 공연 〈Infinitely Closer〉 퀵 스위 분(Kuik Swee Boon)

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포커스

Vol.116-2 (2025.4.20.) 발행

글_ 한성주(본지 에디터)

싱가포르의 대표 현대무용단체 T.H.E(The Human Expression) Dance Company가 오는 4월 24일 대표작 〈Infinitely Closer〉로 한국을 찾아온다. 이번 공연은 한-싱가포르 수교 50주년을 기념하는 공식 초청 행사로 양국의 외교·문화계 주요 인사 200여 명을 비롯해 일부 일반 관객도 초청되어 함께 감상할 예정이다.

T.H.E Dance Company는 2008년 예술감독 퀵 스위 분(Kuik Swee Boon)에 의해 창립되어 아시아적 감수성과 서구 현대무용 기법을 융합한 독창적인 언어로 국제적 명성을 얻고 있다. 한국과는 국립현대무용단, SIDance, SPAF 등 국내 주요 무용단과 페스티벌과의 파트너십을 통해 깊은 인연을 이어왔다.

이번에 선보이는 〈Infinitely Closer〉는 관객이 공연 공간을 자유롭게 이동하며 작품 속으로 들어가는 몰입형 형식을 취한 작품이다. 홀로그래픽 투영과 3D 공간 사운드 등 최첨단 기술을 통해 인간의 자유와 정체성을 탐구하며 기술과 신체의 새로운 조화를 제안한다. 이러한 형식이 실제 공연장에서 어떻게 구현될지 기대와 궁금증을 동시에 불러일으킨다.

이러한 궁금증을 가지고 예술감독 퀵 스위 분(Kuik Swee Boon)과 4월 11일에 줌 인터뷰를 진행했다. 그가 개발한 HollowBody 방법론과 이번 작품에 담긴 철학 그리고 아시아 무용가로서의 정체성에 대한 그의 생각을 직접 들을 수 있었다.

안녕하세요. 간단한 자기소개를 부탁드립니다.

안녕하세요. 저는 싱가포르에 기반을 둔 T.H.E Dance Company의 예술감독 퀵 스위 분(Kuik Swee Boon)입니다. 2007년까지 스페인에서 나초 두아토가 이끌던 Compañía Nacional de Danza에서 무용수로 활동했으며 2008년 싱가포르로 돌아와 T.H.E Dance Company를 창단했습니다. 춤을 언어로 삼아 인간의 경험과 감정, 존재를 표현하는 방식을 예술가들과 함께 탐구할 수 있는 플랫폼이 필요하다고 느꼈기 때문입니다.

이번에 한국에서 선보이시는 작품 〈Infinitely Closer〉에 대해 소개해 주시겠어요?

〈Infinitely Closer〉는 본질적으로 ‘자유’에 대한 작품입니다. 특히 아시아라는 문화적 맥락 안에서 우리는 종종 외부로부터 주어진 정체성 또는 우리가 물려받은 정체성을 지니며 살아갑니다. 그것은 고정되어 있으면서도 동시에 유동적이고 때론 보이지 않는 방식으로 작동합니다. 이 작품은 그런 우리에게 질문을 던집니다. 우리는 무엇을 향해 가까워지고 있는 걸까? 우리가 갈망하는 자유란 과연 어떤 모습일까? 우리가 누구인지에 대한 인식이 사회나 제도가 만들어 놓은 틀 속에서 형성된 것이라면 과연 진정한 자유란 무엇을 의미할까?

〈Infinitely Closer〉는 명확한 해답을 제시하지 않습니다. 오히려 그 갈등이 응축된 틈새 속에 머물며 우리가 내면화한 질서들을 벗겨내려는 시도, 진실된 충동에 귀 기울이려는 몸의 움직임으로 채워집니다. 저는 이 작품을 통해 ‘자유’라는 것이 어떤 도착지가 아니라 끊임없이 움직이는 추구의 행위 그 자체 속에 존재한다고 말하고 싶습니다. 우리가 익숙한 세계를 다시 바라보고 자신에게 진실한 방향으로 조금씩 나아가기로 선택할 때 비로소 자유는 현현될 수 있다고 믿습니다.

이번 공연에서는 기술이 중요한 역할을 하는 것 같습니다. 작품에서 어떻게 사용되었는지 설명해 주시겠어요?

〈Infinitely Closer〉에서 기술은 단순한 시각적 장치가 아니라 작품의 흐름을 함께 형성해 나가는 핵심 요소로 작동합니다. 우리는 라이브 비디오 피드, 홀로그램 프로젝션, 3차원 공간 사운드를 활용해 다층적인 감각 환경을 구성했습니다. 이러한 기술적 요소들은 무용수들을 단순히 보조하는 것이 아니라 그들과 함께 무대 위에 존재하며 공간의 분위기를 바꾸고 존재가 어떻게 인식되는지를 변화시킵니다. 이 방식은 우리가 디지털 세계 속에서 살아가는 방식을 반영합니다. 기술은 사람들 간의 연결을 매개하는 동시에, 소통을 단절시키거나 왜곡하기도 합니다. 작품 안에서 이러한 긴장은 신체적이고 감정적인 풍경의 일부로 작동하며 점점 더 스크린과 사운드스케이프를 통해 여과되는 세상 속에서 우리가 서로 어떻게 관계 맺고 있는지를 되묻게 만듭니다. 그런 기술의 양면성. 즉, 연결과 단절, 소통과 왜곡이라는 이중적 성격이 기술이 보여주는 핵심 중 하나입니다.

관객들이 작품을 어떻게 바라보면 좋을까요?

〈Infinitely Closer〉는 서사나 줄거리가 있는 작품이 아닙니다. 움직임, 소리, 빛, 기술의 결합을 통해 구성하고 각 요소들은 서로 상호작용하며 감각적인 경험을 만들어냅니다. 해석하려 들지 말고 당신의 몸이 어떻게 반응하는지를 지켜보세요. 무엇을 생각하는지가 아니라 무엇을 느끼는지를 중심에 두셨으면 합니다. 그 감각이 당신 안의 무언가를 움직이게 한다면 설령 그것이 무엇인지 정확히 설명할 수 없더라도 그것만으로도 충분합니다. 예술은 우리가 평소 쉽게 접근하지 못하는 자기 자신 안의 어떤 깊은 층위에 닿을 수 있는 통로입니다. 모든 것을 설명하거나 단순화하려 하지 않고 그저 존재하고 느끼는 것만으로도 이미 충분합니다.

 ‘HollowBody’라는 개념은 감독님의 작업에서 중요한 창작 철학으로 보이는데요. 이 개념에 대해 좀 더 자세하게 이야기 해주세요.

 ‘HollowBody’는 저의 무용수로서의 경험과 타인의 움직임을 오랜 시간 관찰하며 얻은 통찰에서 비롯해 수년간 발전시켜 온 방법론입니다. 우리의 몸은 단지 물리적인 습관뿐 아니라 감정적이고 심리적인 습관까지도 지니고 있습니다. 우리는 특정한 방식으로 반응하고 익숙한 패턴으로 몸을 유지하곤 합니다. HollowBody는 그 고정된 반응을 비워내려는 시도에서 출발합니다. 이때의 비움은 완전히 백지상태가 되는 것을 의미하지 않습니다. 오히려 감각과 진실한 충동에 열려 있는 상태를 뜻합니다. 몸이 열리고 비워질 때 무의식 깊은 곳에서 올라오는 진실한 움직임이 자연스럽게 드러날 수 있다고 믿습니다. 무언가를 연기하거나 보여주려는 것이 아니라 몸 안에서 움직이나 감정이 자연스럽게 일어날 수 있도록 허용하는 것. 그 상태를 무대 위에 구현하는 것이 바로 HollowBody의 핵심입니다.

그렇다면 ‘HollowBody’는 주로 안무 창작에 활용되는 건가요? 아니면 무용수 훈련에도 쓰이나요?

HollowBody는 무용수 훈련 방식의 기초이면서 안무를 창작하는 방식의 토대이기도 합니다. 저는 작품을 만들 때 동작을 미리 정해 강요하기보다 무용수들이 자신의 본능과 감각에 접근할 수 있도록 열려 있는 공간을 마련하고 그 안에서 작업에 접근하려 합니다.

작업 과정에서 무용수들과 지속적으로 대화하며 질문을 던집니다. “지금 무엇을 느끼나요?”, “당신의 몸은 지금 무엇을 하고 싶어 하나요?” 같은 질문들이죠. 그러면 작품 안으로 무용수 한 명 한 명의 목소리가 들어오게 됩니다. 그렇게 해서 만들어진 움직임은 각 무용수의 감각과 경험에서 비롯된 살아 있는 표현이 됩니다. 제가 작품의 디렉터이자 안무가지만 동시에 조율자의 역할을 합니다. 저는 질문과 자극을 가져오고 무용수들은 그들의 경험, 몸, 감정을 가져옵니다.

무용수들에게 감정적으로 반응할 수 있는 공간을 주면서 작업을 구성한다고 말씀하셨는데, 그런 개방성과 즉흥성은 안무가로서 전체적인 구조를 유지하는 데 어려움을 주지는 않나요?

그 부분이 제가 늘 씨름하는 지점입니다. 저는 창작을 할 때 형식과 자유 사이의 조화를 어떻게 균형 잡히게 할지 고민합니다. 안무가로서 논리, 흐름, 리듬 같은 틀인 구조는 만듭니다. 동시에 그 구조 안에서 무용수들이 자신의 감각에 집중하고 자기 몸의 반응에 귀 기울일 수 있는 여백을 반드시 남겨둡니다. 작품은 명확한 형식을 갖고 있지만 그 안에는 언제나 섬세함이 스며들 여지가 있어야 한다고 생각합니다. 물론 조명이나 영상처럼 정확한 타이밍이 필요한 장면은 보다 촘촘한 구조가 요구됩니다. 그때는 무용수들은 특정한 신호를 따라야 하죠. 하지만 그런 순간에도 저는 무용수들이 단지 기계적으로 동작을 수행하지 않고 그 순간의 감정과 에너지를 몸으로 반응하며 살아 있는 존재로 무대 위에 있기를 바랍니다. 그 반응성이 바로 작품의 영혼이자 핵심이며 비로소 작품이 진짜 숨을 쉰다고 생각합니다.

감독님의 창작 방식은 무용수들에게도 큰 도전일 것 같아요. 특히 아시아는 정해진 틀 안에서 움직임을 습득하는 형식 중심인 경우가 많다 보니 감독님의 방식처럼 감정을 스스로 탐구하고 표현하는 과정이 낯설 수 있을 것 같습니다. ‘아시아적 정체성(Asian identity)’이라는 개념은 이런 움직임의 접근 방식이나 표현에 어떤 영향을 미친다고 보시나요?

굉장히 중요한 질문이에요. 우리는 모두 특정한 방식의 존재감을 몸에 담고 있습니다. 우리는 아시아에 살고 있고 우리의 몸은 이미 특정한 문화적 기억(cultural memory)을 담고 있습니다. 그래서 서구적인 테크닉을 따르더라도 그걸 받아들이고 해석하는 방식은 다릅니다. 저는 그 지점이 굉장히 흥미롭습니다. 무용수들에게 외형적으로 아시아적인 것을 하라고 요구하지 않습니다. 저는 그들에게 자기 자신이 되라고 말합니다. 자기 자신이라는 것은 이미 그들이 자라온 문화, 출신에 의해 형성된 것이니까요.

많은 사람들이 아시아적 정체성을 이야기할 때 전통, 민속 무용 같은 상징적 요소를 떠올리곤 합니다. 하지만 감독님 말씀을 듣고 보니 오히려 그런 외형보다는 몸이 기억하는 감각이나 관계 방식이 더 본질적인 정체성으로 느껴지네요.

네, 정확히 그렇습니다. 많은 사람이 ‘아시아적 정체성’이라는 말을 들으면 전통 의상이나 전통 악기, 민속춤과 같은 요소들을 먼저 떠 올립니다. 그런데 저는 정체성은 표면에 있는 것이 아니라고 생각합니다. 우리 몸의 기억 안에 있죠. 그래서 무용수가 같은 움직임을 하고 있더라도 그 움직임을 어떻게 재현되는지, 어떻게 반응되는지는 그 사람이 누구인지에 의해 형성됩니다. 예를 들어 당신이 감정을 억제하고 내면화하는 문화에서 자라났다면 당신의 몸도 반응하는 방식이 다를거고 그게 바로 당신의 문화적 정체성입니다. 문화적 정체성은 어떤 퍼포먼스가 아니라 존재의 상태를 말합니다.

말씀을 듣다 보니 작품 제목인 〈Infinitely Closer〉도 결국은 자기 자신에게 다가가는 시도처럼 느껴지네요.

맞습니다. 저는 관객들이 무용수들을 지켜보는 시간을 통해 자신의 내면 세계와 조금 더 연결되었다고 느끼실 수 있다면 기쁠 것 같습니다. 관객들이 자신의 존재감을 극장 안으로 가지고 들어오시길 바랍니다.

마지막으로 무용가들이 가져야 할 태도에 대해 조언해 주신다면요?

저는 무엇보다도 자기 자신에게 정직하라고 말하고 싶습니다. 외부의 프레임에 자신을 끼워 맞추기보다는 자신의 몸과 감정, 사고방식이 어디서 왔는지 그리고 그것이 무엇을 말하고자 하는지 먼저 들여다보는 게 중요하다고 생각합니다. 지금 시대에는 외부로부터 평가받는 기준이 너무 많습니다. 페스티벌, 무용계의 시선 등등 외부 기준에 자신을 맞추려고 애쓰다 보면 정작 자신만의 언어를 잃게 되죠. 하지만 우리가 표현하려는 것이 정말로 진실하다면 언젠가는 반드시 통하게 되어 있습니다. 그것이 바로 예술이 가진 힘이니까요. 그래서 저는 무용가들에게 ‘내면에서 출발하세요’라는 말을 항상 합니다. 진정성은 사람들이 가장 강하게 반응하는 것이기 때문이죠.

좋은 내용의 인터뷰에 감사드립니다. 이번 인터뷰는 작품을 이해하는 것을 넘어, 저 자신에게도 다시 질문을 던지게 하는 시간이었던 것 같습니다. 이번 공연은 한정된 관객에게만 공개되어 아쉽게도 많은 관객들과 함께할 수는 없었지만 언젠가 또 다른 무대에서 다시 만날 수 있기를 기대하겠습니다. 인터뷰에 함께해 주신 Kuik Swee Boon 예술감독님을 비롯해 T.H.E Dance Company의 Michele Lim, Athelyna Swee 그리고 통번역으로 도움을 주신 심온 선생님께 다시 한번 깊이 감사드립니다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Focus

Vol.116-2 (2025.4.20.) Issue

Written by Han Sungjoo (Editor of Dance Post. Korea)

Movement that begins with emptiness,

A performance commemorating the 50th anniversary of Korea-Singapore diplomatic relations, 〈Infinitely Closer〉: Interview with Artistic Director Kuik Swee Boon

Singapore’s representative contemporary dance company, T.H.E (The Human Expression) Dance Company, will visit Korea on April 24 with its representative work, 〈Infinitely Closer〉. This performance is an official invitation event commemorating the 50th anniversary of Korea-Singapore diplomatic relations, and some 200 key figures from the diplomatic and cultural circles of both countries, as well as some general audience members, will be invited to watch it together.

Founded in 2008 by Artistic Director Kuik Swee Boon, T.H.E Dance Company has gained international fame for its unique language that combines Asian sensibility with Western contemporary dance techniques. It has maintained a deep relationship with Korea through partnerships with major domestic dance companies and festivals, such as the National Dance Company of Korea, SIDance, and SPAF.

The upcoming 〈Infinitely Closer〉 is an immersive piece that allows the audience to freely move through the performance space and enter the work. It explores human freedom and identity through cutting-edge technologies such as holographic projection and 3D spatial sound, and proposes a new harmony between technology and the body. It raises both expectations and curiosity about how this format will be implemented in an actual performance space.

With this curiosity, I had a Zoom interview with Artistic Director Kuik Swee Boon on April 11. I was able to hear directly about the HollowBody methodology he developed, the philosophy behind this work, and his thoughts on his identity as an Asian dancer.

Hello. Please introduce yourself briefly.

Hello. I am Kuik Swee Boon, the Artistic Director of T.H.E Dance Company based in Singapore. Until 2007, I worked as a dancer at Compañía Nacional de Danza in Spain led by Nacho Duato, and returned to Singapore in 2008 to found T.H.E Dance Company. I felt that there was a need for a platform where artists could explore the ways in which dance can be used as a language to express human experiences, emotions, and existence.

Could you tell us about the work you are presenting in Korea, 〈Infinitely Closer〉?

〈Infinitely Closer〉 is essentially a work about “freedom”. Especially in the cultural context of Asia, we often live with an identity given to us from the outside or an identity that we inherit. It is fixed, yet fluid and sometimes operates in an invisible way. This work poses questions to us. What are we getting closer to? What does the freedom we long for look like? If our perception of who we are is formed within the framework created by society or institutions, then what does true freedom mean?

〈Infinitely Closer〉 does not provide a clear answer. Rather, the conflict stays in the condensed gap, and it is filled with the body’s movements to peel away the internalized orders and listen to the true impulses. Through this work, I want to say that ‘freedom’ is not a destination, but exists in the act of constant pursuit itself. I believe that freedom can be realized only when we look at the familiar world again and choose to move forward little by little in a direction that is true to ourselves.

Technology seems to play an important role in this performance. Can you explain how it was used in the work?

In 〈Infinitely Closer〉, technology is not a simple visual device, but rather a key element that forms the flow of the work. We created a multi-layered sensory environment using live video feeds, holographic projections, and three-dimensional spatial sound. These technological elements do not simply assist the dancers, but exist on stage with them, changing the atmosphere of the space and changing how their presence is perceived. This method reflects the way we live in the digital world. Technology mediates connections between people, but also disconnects or distorts communication. In the work, this tension operates as part of a physical and emotional landscape, and it makes us question how we relate to one another in a world increasingly filtered through screens and soundscapes. The duality of technology—that is, the dual nature of connection and disconnection, communication and distortion—is one of the core elements that technology demonstrates.

How would you like the audience to view the work?

Infinitely Closer is not a work with a narrative or plot. It is composed through a combination of movement, sound, light, and technology, and each element interacts with the other to create a sensory experience. Don’t try to interpret it, but watch how your body reacts. I want you to focus on what you feel, not what you think. If that sensation moves something inside you, even if you can’t explain exactly what it is, that’s enough. Art is a passageway that allows us to reach a deep level within ourselves that we don’t usually have easy access to. It’s enough to just exist and feel without trying to explain or simplify everything.

The concept of ‘HollowBody’ seems to be an important creative philosophy in your work. Tell me more about this concept.

‘HollowBody’ is a methodology that I have developed over the years, based on my experience as a dancer and the insights I gained from observing the movements of others for a long time. Our bodies have not only physical habits, but also emotional and psychological habits. We tend to react in certain ways and maintain our bodies in familiar patterns. HollowBody starts from an attempt to empty those fixed reactions. This emptying does not mean becoming a completely blank slate. Rather, it means being open to sensations and true impulses. I believe that when the body is opened and emptied, true movements that arise from deep within the subconscious can naturally emerge. It is not about acting or showing something, but allowing the body to move and feel emotions naturally. The core of HollowBody is to implement that state on stage.

So is ‘HollowBody’ mainly used for choreography creation? Or is it also used for dancer training?

HollowBody is the foundation of a dancer training method and also the foundation of a choreography creation method. When I create a piece, rather than forcing the dancers to pre-determine their movements, I try to create an open space where they can access their instincts and senses and approach the work within that space.

During the work process, I constantly talk to the dancers and ask them questions. Questions like “What are you feeling now?” and “What does your body want to do now?” Then, the voices of each dancer enter the piece. The movements created in this way become living expressions that come from each dancer’s senses and experiences. I am the director and choreographer of the piece, but I also play the role of a facilitator. I bring questions and stimulation, and the dancers bring their experiences, bodies, and emotions.

You said that you compose the piece while giving the dancers space to respond emotionally. Doesn’t that openness and improvisation make it difficult for you as a choreographer to maintain the overall structure?

That’s something I always struggle with. When I create, I think about how to balance the harmony between form and freedom. As a choreographer, I create a structure that is a framework such as logic, flow, and rhythm. At the same time, I leave room for the dancers to focus on their own senses and listen to their bodies’ reactions within the structure. I think that although the work has a clear form, there should always be room for delicacy to seep into it. Of course, scenes that require precise timing, such as lighting or video, require a tighter structure. At that time, the dancers must follow specific signals. However, even in those moments, I want the dancers to not just perform mechanical movements, but to react to the emotions and energy of the moment with their bodies and be alive on stage. I think that responsiveness is the soul and core of the work, and only then can the work truly breathe.

I think your creative method is a big challenge for dancers as well. In particular, Asia is often centered on learning movements within a set framework, so the process of exploring and expressing emotions on your own, like your method, may be unfamiliar. How do you think the concept of ‘Asian identity’ affects this approach to movement or expression?

That’s a very important question. We all embody a certain kind of presence. We live in Asia and our bodies already contain a certain cultural memory. So even if we follow Western techniques, the way we receive and interpret them is different. That’s what I find very interesting. I don’t ask dancers to do something that looks Asian on the outside. I tell them to be themselves. Being themselves is already formed by the culture they grew up in and their origins.

When many people talk about Asian identity, they tend to think of symbolic elements like tradition and folk dance. However, after listening to you, I feel that the senses and relationships that the body remembers are more essential than the external appearance.

Yes, that’s exactly right. When many people hear the term ‘Asian identity,’ they first think of elements like traditional costumes, traditional instruments, and folk dance. However, I think that identity is not something that exists on the surface. It exists in our body’s memory. So even if a dancer is doing the same movement, how that movement is reproduced and how it is reacted is shaped by who that person is. For example, if you grew up in a culture where you suppress and internalize emotions, your body will react differently, and that is your cultural identity. Cultural identity is not a performance, but a state of being.

As I listened to you, the title of the piece, 〈Infinitely Closer〉 ultimately felt like an attempt to approach oneself.

That’s right. I would be happy if the audience could feel a little more connected to their inner world through the time they spent watching the dancers. I hope the audience will bring their presence into the theater.

Lastly, what advice would you give dancers on the attitude they should have?

First of all, I would like to tell them to be honest with themselves. Rather than trying to fit themselves into an external frame, I think it is important to first look into where their body, emotions, and way of thinking come from and what they are trying to say. In this day and age, there are too many standards for external evaluation. If you try to fit yourself into external standards such as festivals and the eyes of the dance world, you will eventually lose your own language. However, if what we are trying to express is truly sincere, it will eventually come through. That is the power of art. That is why I always tell dancers to ‘start from within.’ Because sincerity is what people respond to most strongly.

Thank you for the great interview. This interview was a time for me to ask myself questions beyond understanding the work. This performance was only open to a limited audience, so I regret not being able to see many people, but I hope to see you again on another stage someday. We would like to once again express our deepest gratitude to Artistic Director Kuik Swee Boon for joining us for this interview, as well as Michele Lim and Athelyna Swee from T.H.E Dance Company, and Sim On for her help with translation.