댄스포스트코리아 ABC4Dance (1)채희완 선생님과 춤미학의 ‘학예굿’을 열며

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포커스

Vol.117-2 (2025.5.20.) 발행

글_ 고상윤(드라마터그)

사진_ 댄스포스트코리아 편집실

댄스포스트코리아는 춤 미학과 역사의 기본을 다지고 한국에서의 춤담론을 재정립하고자 ABC4Dance(Aesthetic, Basis, Criticism for Dance)라는 제목으로 세미나를 기획하였다. 비평과 미학, 무용 역사 등의 다양한 주제로 구성되는 세미나로, 올해는 민족미학의 권위자 채희완 선생님을 모시고 춤미학 연속 세미나를 장기적으로 진행한다. 이 세미나는 총 3부 시리즈로 진행될 예정으로 1부 미학의 연구대상으로서 춤은 무엇인가, 2부 춤은 어떻게 미의식의 대상으로 전이되는가, 3부 한국춤 미학 연구에서 쟁점은 무엇인가로 구성되어 있다. 1부 섹션은 2025년 5월 2일을 시작으로 두 달간 매주 진행된다.

부산대학교 예술대학 무용과 교수 및 대학 예술문화영상학과 교수를 역임한 채희완 선생님은 미학자이며 비평가이자 탈춤 이론가이다. 이 세미나는 채희완 선생님이 오랜 민족운동과 함께 탈춤을 통해 쌓아온 경험과 업적을 함께 동행하며 선생님의 미학적 관점을 이해하고 정립하는 시간이다.

세미나는 형식에 구애받지 않고 자유로우며 담론에 가까운듯하나 깊이 있는 철학을 바탕으로 한 미학 수업이었다. 채희완 선생님와 수업 참여자들이 자기소개를 하며 수업이 시작되었다. ‘학예 잔치’를 벌리는 장으로 공연의 마지막에서 볼 수 있는 커튼콜이라고 할 수 있는 행위를 맨 앞으로 가지고 와 서로가 얼굴을 맞대어 자신을 알리는 시간을 가졌다. 수업 전 인사를 나누는 행위는 가장 현대적이고 연극적 발상인 ‘인사굿’으로 판열음, 터닦음이며 반드시 필요한 과정 중 하나인 연희의 한 대목과도 같다고 한다. ‘인사굿’은 일상적이고 현실적이고 더럽혀진 것을 씻는 자리를 마련해 행사를 연다는 뜻으로 말문을 열어 전체가 협동하여 해나간다는 것, 자연과 세계와 신에게 인사를 드려 고지하는 시간이라고 설명하였다.

이와 같은 학문연구를 위한 모임자리를 ‘학예굿’이라고 한다. 이 단어는 심포지엄(symposium)을 번역한 것으로 아리스토텔레스가 말한 향연(饗宴) 즉, 학문 파티를 연다는 뜻이라고 하였다. 이런 자리에서 학문 발표를 하고 질의문답을 하는 자유 학예(arte liberales) 학문 활동의 모임체를 우리식 표현으로는 ‘두레 공론’이라고 한다. 이러한 내용의 발상은 김지하 시인이 상고대 문화의식의 원형을 좇아서 찾아낸 용어상의 결론이라고 덧붙여 설명하였다.

이후 본론으로 들어가 ‘춤은 무엇인가’에 대해 들여다보았다. 선생님은 “춤은 풍류의 핵심이다”라고 말하시면서 최치원의 말을 인용하였다. ‘풍류’는 최치원이 말한 난랑비서문(鸞郞碑序文) 내용 중 국유현묘지도(國有玄妙之道)가 있었으니 이것이 바로 풍류이다. 또한, 접화군생(接化群生)을 말할 수 있는데 이 의미로는 서로 부딪쳐 만나 공생하며 진화, 강화, 변화하는 이 전체를 아울러 ‘풍류’라고 한다. 여기서 채희완 선생님은 풍류에 빗대어 춤은 무엇인지에 대해 설명하였다.

그렇다면 춤과 예술은 시대적으로 어떤 일로 인해 자극을 받아 변화하였으며 역사적 흐름에서 어떻게 자리를 잡아왔는가. 17-18세기는 문예사뿐 아니라 정치, 경제에 있어서 획기적인 정변으로 혼란 시기였다. 초기자본주의로의 이전뿐 아니라 근대식 삶으로의 이전 시기였다. 자생적 격변의 시기로 그 근본이 동변한 계기는 종교적 심성에 대한 현실 의식의 정변이라고 볼 수 있다. 이 시기 주요 인물 중 故김성동 작가는 “미륵 사상이야말로 우리 문화의 핵심 사상이다”라고 했다. 18-19세기 민족종교가 바탕을 이루고 있는 종교적 심성에서의 춤은 춤에 작동상황을 말해 준다. 1970년대 중후반 아놀드 하우저(Arnold Hauser, 헝가리 역사학자)는 『문학과 예술의 사회사』를 통해 지식사회에 충격을 주어 변화의 자극제가 되었다.

20세기에는 과학과 기술의 혁명으로 친과학적 사고방식을 가진다. 이 시기의 철학자 질 들뢰즈는 생성론을 주창한다. 여기서 핵심은, 자기 창조란 스스로 ‘되기(be)’로 생성(becoming)되는 것, 삶 자체가 창조이고 생명이라는 것이다.

이어서 춤의 시간에 대하여 논의하면서 시간의 개념, 공연과 춤에서의 시간은 어떻게 설명 해야 하는지 들여다보았다. 이를 불교에서 말하는 삼세실유(三世實有)의 시간 개념을 가지고 설명하였는데, 이것은 과거와 현재, 미래가 현실의 생활 속에서 실현되고 일치한다는 내용이다. 이것은 동학에서 말한 향아설위(向我設位)에 빗대어 설명할 수 있으며 춤의 시간에도 볼 수 있다고 한다. 제한과 확충이 동시에 일어나는 특수한 시간관 차원에서 연희 또는 춤이 벌어진다. 이것이 예술이라고 확장해서 말할 수 있다. 춤은 무완(無完)된 시간이지만 굴림을 통해 순환적 확충을 진화라고 한다면, 이 시간, 이 공간 위에 몸을 올려 ‘태운다’, ‘탄다’라고 말할 수 있는 것이다. 춤을 선보이는 시간의 장(場), 즉 공연장에서의 춤의 시간을 보여주기 위해 다른 사람의 시간을 특수한 공간으로 가져오는 것은 유의미한 행위이다. 

2회차 세미나는 ‘사람은 왜 춤을 추는가’라는 주제로 진행되었다. 춤을 추는 가장 근본적 이유는 제대로 살아있음을 확인 시켜주는 행위이며 살아 있도록 하는 자기 충일의 욕구이기 때문이다. 그래서 일상의 동작뿐 아니라 일거수일투족(一擧手一投足)이 춤이다. 쿠르트 작스(Curt Sarchs)는 그의 저서 『춤의 세계사』에서 춤춘다는 것은 삶이 한 단계 고양된 삶일 뿐(only a life in a higher level) 이라고 말한다. 이 문장의 의미는 “사람은 춤을 추어야지만 인생의 맛과 멋을 깊이 있게 이해할 수 있다”라고 본 것이다.

춤에서 살아있음은 존재의 일차적 규정으로서 ‘생존’과 존재의 활동 규정으로서 ‘생활’, 존재의 가치 활동을 가능케 하는 에너지원으로서 ‘생명’으로 세 가지 의미를 내포하고 있다. 춤에서의 죽음은 죽임의 세력에 대항하는 춤으로, 춤의 가장 강력한 주제이다. 죽임인 살과 액과 맞대결하며 맞서 싸워 사는 것, 공동으로 물리치는 것, 그 춤을 우리 춤에서는 ‘살풀이’라고 볼 수 있다.

이처럼 1-2회 세미나에서는 춤이란 무엇인가, 사람은 왜 춤을 추는가에 대해 고찰해보고, 춤에서 제대로 살아있음과 죽음이 무엇인지에 대해 이해하는 시간을 가졌다. 독일 출신의 사진작가 칸디다 회퍼는 “예술은 현실에서 중요한 것을 남기는 일”이라고 했다. 매주 채희완 선생님과 같은 시간을 공유는 지금이 바로 그러하지 않을까 싶다. 생생하고도 미묘한 그의 예술세계와 자신의 몸을 매개로 겪은 근현대 삶의 흔적을 따라가는 것, 이 자리는 아마도 수업이라기보다 예술에 가까운 것이다. 이 미학 세미나는 예술이 삶인 우리 에게 매우 주효한 자리라고 여겨진다. 그래서 더더욱 순연한 태도로 수업에 임하려 한다. 

나는 이 수업에 참여하고 있는 한 명으로 명사적 소개거리가 없는 사람이다. 노력해서 소개하자면 말이 길어진다. SNS에서 ‘공연보러가는 길_상윤’이라는 이름으로 개인적 후기를 끄적이는 리뷰어이다. 간혹 이를 보고 나와 결이 맞다고 생각하는 연출가, 안무가들이 연락이 오면 그들의 작품을 같이 기꺼이 동행하는 드라마터그 활동을 하고 있다. 또한 전라북도 무형유산 호남살풀이춤 1기 이수자로서 살풀이에 대한 고찰을 통해 현재적 관점과 일상의 미학을 담은 ‘윋’을 기획하여 다양한 시도를 하고 있다. 내 작업의 다수는 직관이 중요하게 작동해야만 할 수 있는 일들이다. 이 직관을 철학과 미학, 간혹 영화나 전시작품 간에 연결고리를 찾아 텍스트로 쓰는 일을 자주 한다. 간혹 혼자서 공부한 철학과 미학적 지식에 한계점을 마주할 때가 있는데, 그러던 때 댄포코 세미나를 오픈한다는 소식을 듣고 좋은 기회다 싶어 참여하게 되었다.    

첫 수업은 생각지 못한 흐름으로 가는 느낌으로 맥을 잡지 못했다. 이후 천천히 요약과정을 거치면서, 예술의 맥락은 서로 연관성이 있다는 것을 바탕으로 한국춤 미학을 이해하는 큰 틀을 가지게 되었다. 채희완 선생님이 겹겹이 쌓아온 한국 예술에 대한 사유결과물이 뚜렷이 각인되었다. 인간이 춤을 추는 이유와 춤이란 무엇인지 ‘풍류, 신명, 춤에서의 시간성, 제대로 살아 있음과 죽음 그리고 죽임’을 설명하시면서 수업을 풀어나갔다. “진심을 다해 춤추고 사는 것이 제대로 죽는 것이다. 그러므로 신명나게 춰라. 병신춤을 추듯 내가 아닌 내가 없는 상태로.” 프랑스 철학자 앙리베르그송이 『창조적 진화』에서 말한 무(無)에 대한 설명과 일맥상통하고 있다. 결국, 만물이 사라지고 내가 사라질 때 이것이 무(無)의 상태로 말하는 것, 그것은 채희완 선생님이 말하신 한국의 미학관 속에 면밀히 녹아 있음을 알 수 있었다. 선생님의 강의는 서양의 철학과 미학마저도 맞닿아 있어 우리 미학의 뛰어남을 인지시켜 주고 있음을 포착하는 순간이었다.

세미나를 들으며 “춤을 어떻게 춰 나가야 하는 걸까? 내게 예술은 무엇이라고 여기고 살아 온 거지?”라는 성찰에 빠지게 되었다. “춤은 일상”이라고 표현하신 것처럼 특수한 것과 일반적인 것은 필연적 균열과정이 생기며 서로 뒤엉켜 조화로워지는 상태일 것이라 해석해 본다. 특수한 공간에서 특별한 몸짓을 그려내는 것만이 예술이 아닌, 예술과 삶을 같은 기조로 꾸려가는 시간이야말로 영예로움이지 않을까라는 결론에 도달한다. 선생님의 미학 수업은 예술을 바라보는 나만의 직관과 감성의 틈으로 들어와 확장되고 분해되어 나에게 또 다른 눈을 갖게 해 줄 거라는 확신과 함께 설렘이 자리 잡았다.

전세계의 독자들을 위해 '구글 번역'의 영문 번역본을 아래에 함께 게재합니다. 부분적 오류가 있을 수 있음을 양해 바랍니다. 

Please note that the English translation of "Google Translate" is provided below for worldwide readers. Please understand that there may be some errors.

Focus

Vol.117-2 (2025.5.20.) Issue

Written by Sang-yoon Ko (Dramaturge)

Photos by Dance Post. Korea

Dance Post Korea ABC4Dance (1) Opening the ‘Hakye-gut’ of dance aesthetics with teacher Chae Hee-wan

Dance Post Korea planned a seminar titled ABC4Dance (Aesthetic, Basis, Criticism for Dance) to establish the basics of dance aesthetics and history and to reestablish dance discourse in Korea. The seminar consists of various topics such as criticism, aesthetics, and dance history. This year, we will hold a long-term series of dance aesthetics seminars with Professor Hee-wan Chae, an authority on national aesthetics. This seminar will be held in a three-part series: Part 1: What is dance as a subject of aesthetics research? Part 2: How is dance transferred to the subject of aesthetic consciousness? Part 3: What are the issues in the study of Korean dance aesthetics? Part 1 will be held weekly for two months starting on May 2, 2025.

Professor Chae Hee-wan, who served as a professor in the Department of Dance at Pusan ​​National University and the Department of Arts, Culture, and Film at the university, is an aesthetician, critic, and mask dance theorist. This seminar is a time to understand and establish the aesthetic perspective of Professor Chae Hee-wan by sharing his experiences and achievements accumulated through mask dance along with the long national movement.

The seminar was an aesthetics class based on deep philosophy, although it was free and discourse-like without being restricted by formality. The class began with Professor Chae Hee-wan and the participants introducing themselves. As a place for holding a ‘festival of arts and crafts,’ they brought the curtain call, which can be seen at the end of a performance, to the front and had time to introduce themselves face to face. The act of exchanging greetings before class is said to be the most modern and theatrical ‘Insagut,’ which is a part of the performance that is an essential process, such as opening the panyeolum and teodak. ‘Insagut’ means to open an event to wash away everyday, realistic, and dirty things, and it is a time to greet and inform nature, the world, and God.

This kind of gathering for academic research is called ‘hakyegut.’ This word is a translation of symposium, and it means holding a banquet (饗宴) as Aristotle said, that is, an academic party. In this kind of gathering, academic presentations and Q&A are called ‘dure public discussion’ in our language. He added that the idea of ​​this content is a terminological conclusion that poet Kim Ji-ha found by following the original form of Sanggodae’s cultural consciousness.

After that, we went into the main topic and looked into ‘what is dance?’ The teacher said, “dance is the core of pungryu,” and quoted Choi Chi-won. ‘Pungryu’ is the content of the preface to the Nanrangbiseomun (鸞郞碑序文) by Choi Chi-won, which states that the state possesses a mysterious and wonderful way. This is precisely Pungryu. It can also refer to the contact and growth of groups (接化群生), and in this sense, the entire process of meeting, meeting, coexisting, evolving, strengthening, and changing is collectively called ‘Pungryu.’ Here, Professor Chae Hee-wan compared dance to Pungryu to explain what dance is.

Then, what events stimulated and changed dance and art in the past and how did they establish their position in the flow of history? The 17th and 18th centuries were a time of chaos due to groundbreaking political upheavals not only in literary history but also in politics and economy. It was a time of transition to early capitalism as well as a transition to modern life. It was a time of spontaneous upheaval, and the fundamental cause of this change can be seen as a coup in the awareness of reality regarding religious sentiment. Among the major figures of this period, the late writer Kim Seong-dong said, “The Maitreya ideology is the core ideology of our culture.” Dance in the religious spirit based on the 18th-19th century folk religion tells us about the state of dance. In the mid-to-late 1970s, Arnold Hauser (Hungarian historian) shocked the knowledge society through his book, “The Social History of Literature and Art,” and became a stimulant for change.

In the 20th century, a pro-scientific way of thinking emerged due to the revolution in science and technology. Gilles Deleuze, a philosopher of this period, advocated generative theory. The key point here is that self-creation is becoming by becoming, and life itself is creation and life.

Next, while discussing the time of dance, we looked into how to explain the concept of time and the time in performance and dance. This was explained using the Buddhist concept of time, “the three realities of existence,” which states that the past, present, and future are realized and coincide in real life. This can be explained by comparing it to the Hyang-a-seol-wi (向我設位) mentioned in Donghak, and it is said that it can also be seen in the time of dance. Performance or dance takes place in a special time dimension where limitation and expansion occur simultaneously. This can be expanded to say that it is art. Dance is an incomplete time, but if we call the cyclical expansion through Gulim evolution, we can say that we are ‘burning’ or ‘burning’ by putting our bodies on this time and space. It is a meaningful act to bring someone else’s time to a special space in order to show the time of dance in the time field (場) where dance is performed, that is, the time of dance in the performance hall.

The second seminar was held under the theme of ‘Why do people dance?’ The most fundamental reason for dancing is because it is an act that confirms that we are alive and it is a desire for self-fulfillment that keeps us alive. Therefore, not only daily movements but also every move (一擧手一投足) is dance. In his book, The World History of Dance, Curt Sarchs says that dancing is only a life in a higher level. The meaning of this sentence is that “only by dancing can one deeply understand the taste and charm of life.”

In dance, being alive has three meanings: ‘survival’ as the primary definition of existence, ‘life’ as the definition of activity of existence, and ‘life’ as the source of energy that enables the valuable activities of existence. Death in dance is a dance that fights against the power of death, and it is the most powerful theme of dance. Fighting against the flesh and liquid of death and living together, and defeating it together, this dance can be seen as ‘salpuri’ in our dance.

In this way, in the 1-2 seminars, we had time to reflect on what dance is, why people dance, and understand what being alive and dying are in dance. German photographer Candida Höfer said, “Art is leaving behind something important from reality.” I think that’s exactly what it is like to spend time with Professor Chae Hee-wan every week. Following his vivid and subtle artistic world and the traces of modern and contemporary life experienced through his own body, this place is probably closer to art than a class. This aesthetics seminar is considered very effective for us, for whom art is life. That’s why I try to approach the class with an even more sincere attitude.

I am one of the participants in this class and I don’t have a specific introduction. If I try to introduce myself, it will be long. I am a reviewer who writes personal reviews on SNS under the name ‘On the way to see a performance_Sang-yoon.’ Occasionally, when I receive contacts from directors and choreographers who I think are a good fit for me, I happily accompany them on their work as a dramaturg. Also, as a first-year graduate of the Jeonbuk Cultural Heritage Honam Salpuri Dance, I am trying various things by planning ‘윋’ that contains the current perspective and aesthetics of everyday life through reflection on Salpuri. Most of my work is something that requires intuition to work importantly. I often find connections between philosophy and aesthetics, and sometimes between films or exhibition works, and write texts using this intuition. Sometimes, I come across limitations in the philosophy and aesthetic knowledge that I studied on my own, and when I heard that the Danpoko Seminar was opening, I thought it was a good opportunity and participated.

The first class felt like it was going in an unexpected direction, so I couldn’t get a feel for the flow. After that, as I slowly went through the summary process, I was able to gain a big framework for understanding the aesthetics of Korean dance based on the idea that the context of art is interconnected. The results of Professor Chae Hee-wan’s layered thinking on Korean art were clearly imprinted on me. The class began with an explanation of why humans dance and what dance is, including ‘pungryu, shinmyeong, temporality in dance, living properly, dying, and killing.’ “Dancing wholeheartedly is living properly. Therefore, dance with gusto. Like dancing a crippled person, in a state of non-existence of me.” This is in line with the explanation of nothingness (無) by French philosopher Henri Bergson in ‘Creative Evolution.’ In the end, when all things disappear and I disappear, this is what is meant by the state of nothingness (無), and I could see that this is closely incorporated into the Korean aesthetics that Professor Chae Hee-wan spoke about. The professor’s lecture was a moment when I realized that even Western philosophy and aesthetics are intertwined, making me aware of the excellence of our aesthetics.

While listening to the seminar, I fell into the reflection of, “How should I dance? What do I consider art to be and have been living?” As you said, “Dance is everyday life,” I interpret that the special and the general will inevitably experience a process of cracking and become entangled and harmonized. I come to the conclusion that art is not just about drawing special gestures in a special space, but that the time spent arranging art and life with the same tone is an honor. I was thrilled and confident that the teacher’s aesthetics class would enter the gap of my own intuition and sensibility regarding art, expand and decompose, and give me another perspective.